Nas Tintas Para As Regras

Retratos do Mundano

2009-05-28T02:20:00.018+01:00

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Mil setecentos e noventa e nove, Atelier de Isabey, Palais du Louvre, lugar mundano, de reunião, pintores e escultores, também de músicos e arquitectos. Espaço público ou doméstico, lugar de sociabilidade, memória e debate, o salão ou tertúlia é espaço de entretenimento, divertimento e conversação, eventualmente de gastronomia, pois que as conversas decorriam, também, à volta da mesa.

Os registos pictóricos, que atestam estes momentos, exibem poses naturais, em cenas domésticas, de jardim ou café, onde o tom coloquial dita a disposição.

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Conversation pieces, de que William Hogarth foi o grande mestre principiador, são, habitualmente, trabalhos em pequena escala, em que grupos de familiares ou amigos se reúnem em informais encontros. Frequentes no século XVIII, não deixaram de fazer parte do gosto ao longo dos tempos.

Enquanto lugar de divertimento, neles acontecia o jogo, teatro e concerto. Círculos de amizade, mas também de elite, pois que os seus elementos reuniam segundo interesses literários, artísticos ou políticos, cúmplices de interesses comuns. Porém, embora testemunhos do mundano, eram geradores da mudança e de progressos culturais, lugares onde germinavam novas ideias.

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José Gutierrez Solana. La Tertúlia del Café Pombo, 1920
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Boémia de Madrid. A tertúlia do Pombo calhava aos sábados à noite, depois do jantar, muitas vezes até ao novo dia. Tinha lugar no sótão, “La Cripta de Pombo”, lugar de espelhos, sem electricidade, a imagem da Virgem del Cármen como patrona. Política excluída. As figuras, Manuel Abril, Tomás Borrás, José Bergamín, José Cabrero, Mauricio Bacarisse, Pedro Emilio Coll, Salvador Bartolozzi e o pintor.

Jacques-Émile Blanche. André Gide et ses Amis au Café Maure, Exposition universelle de 1900

Se a literatura, pintura e música tiveram um papel dominante, este foi dando lugar a discussões filosóficas e científicas.

Espaços de comprometimento, mas também de hospitalidade e mecenato.

Reflexão, imaginação, fantasia, e ainda de curiosidade e descoberta. Neles se discutia o passado, se ponderava o presente e se interrogava o porvir.
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É o fulgor da Belle Époque, André Gide escreve Nourritures Terrestres, que se tornaria guia espiritual das gerações pós-guerra. Na senda de Fantin Latour, Jacques-Émile Blanche regista o grupo de amigos. À volta de Gide, em pose descontraída, chapéu negro e cigarro na mão, organizam-se as restantes figuras. Sentado, Charles Chanvin, poeta; Henri Ghéon, pseudónimo do Dr Vaugeon, mais apaixonado pela literatura que pela medicina; Athman Ben Salah, poeta tunisino, protegido de Gide, e Eugène Rouart, filho coleccionador Henri Rouart.
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Columbano. Grupo do Leão, 1885

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Columbano, espectador angustiado do quadro político-social dos finais do século, o pintor mais significativo dos finais de oitocentos. O Retrato de Antero de Quental, 1889, profetiza o desfecho do poeta-filósofo, e simboliza toda a geração dos Vencidos da Vida. A Brasileira, lugar da diferença, trangressão e criatividade. Retratados, Silva Porto, Rafael Bordalo Pinheiro, António Ramalho, José Malhoa, João Vaz, Girão, Henrique Pinto, Rodrigues Vieira, Ribeiro Cristino, Cipriano Martins, o empregado Manuel Fidalgo e o próprio Columbano.

Se Hogart é um dos grandes nomes que a este género mais se dedicaram, outros há, para os quais a arte, sob não importa que rosto, é paixão.

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Henri Fantin-Latour, 1836-1904

quando a arte é enamoramento

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......................................................Hommage à Delacroix, 1864

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Fantin-Latour, ele mesmo, com Baudelaire, Manet, Whistler, Champfleury e outros rodeando um retrato de Delacroix.

.........................................................................................................................................................Un atelier aux Batignoles, 1870

Manet, Renoir, Monet e outros no estúdio de Manet, tela também conhecida por Hommage à Manet

Un coin de table, 1872
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Parnasiano, o grupo de poetas amantes da arte, fundadores da revista La Renaissance Littéraire et Artistique, reunia-se todos os meses de modo a manter a sua coesão. A crítica denominava-os “dîners des vilains bonshommes”, assim ficaram conhecidos. Da esquerda à direita, sentados, Verlaine, Rimbaud, Valade, Hervilly, Pelletant; de pé, em segundo plano, Bonnier, Blémont e Aicard.

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Autour du piano, 1885
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Admirador de Wagner, que defendeu em França, fez várias litografias ilustrando as composições deste. Autour du Piano, é o menos falado quadro, da série de quatro dedicada às suas cumplicidades, talvez porque as figuras sejam vultos menos conhecidos.
Referência ao grupo Le Petit Bayreuth, iniciado com Antoine Lascoux, as personagens são, também elas, admiradores de Wagner. À volta do piano, da esquerda para a direita, Emmanuel Chabrier, Edmond Maître, Amédée Pigeon. De pé, Adolphe Julien, Arthur Boisseau, Camille Benoît, Antoine Lascoux e Vincent d’Indy.
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Entre o retrato modernista e as cenas fantasiadas inspiradas pela música, tributos a diversos artistas de diversas artes, os retratos de grupo de Fantin-Latour, testemunho da cumplicidade com os vultos vanguardistas, são documentos históricos.
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Outras imagens,

(1) Charles Giraud. Le Salon de la princesse Mathilde, rue de Courecelles, 1859

(2) Louis Léopold Boilly. Réunion d'artistes dans l'atelier d'Isabey, 1799

(3) William Hogarth. The Strode Family, 1738

giorgios

2009-05-24T20:12:00.008+01:00

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Dos solitários objectos, entre o minimalismo e o infinito universo onírico.
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Morandi e o despojamento

De Chirico e o cenário inquietante

Em comum, porventura o enigma. Do simples e do emaranhado.

Giorgio De Chirico, 1888-1978

Giorgio Morandi, 1890, 1964

auto-retratos

2008-12-21T22:52:00.023Z

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maternidade
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[...]
E, mãos postas, ao pé do altar do teu regaço
vendo a lua subir, muda, alumiando o espaço
eu balbuciava minha infantil oração,
pedindo ao Deus que está no azul do firmamento
que mandasse um alívio a cada sofrimento,
que mandasse uma estrela a cada escuridão.
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Guerra Junqueiro
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2008-11-06T23:31:00.011Z

An event is something that is heard about on the streets and read about in the papers for a week or two. However, if a series of related events should be strung together, one can be left with something monumental.

Obama,

in honor

trago alguns dos artistas de Harlem Renaissance
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Sargent Claude Johnson (1888–1967)
Palmer C. Hayden (1890-1973)
Archibald John Motley, Jr. (1891-1981)
William Johnson (1901-1970)
Beauford Delaney (1901-1979)
Lois Mailou Jones (1905-1998)

Norman Lewis (1909-1979)

Sargent Claude Johnson

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Palmer C. Hayden
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Archibald John Motley, Jr
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Após o final da I Grande Guerra, muitos soldados americanos negros regressaram a um país que continuava a cometer injustiças raciais. A grande emigração faz-se para as cidades do Norte, Harlem torna-se o núcleo cultural.
A Harlem Renaissance (Black Literary Renaissance ou New Negro Renaissance) germina em resultado das mudanças operadas na comunidade negra americana no pós-guerra.
Harlem, lugar de Jazz e Blues, e de uma orgulhosa geração afro-americana que, intelectualmente, agitou e mobilizou todas as artes, estendendo-se a todos os Estados e deixando o seu legado às gerações do porvir.

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William Johnson
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Beauford Delaney

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Norman Lewis
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I could take the Harlem night
and wrap around you,
Take the neon lights and make a crown,
Take the Lenox Avenue busses,
Taxis, subways,
And for your love song tone their rumble down.
Take Harlem's heartbeat,
Make a drumbeat,
Put it on a record, let it whirl,
And while we listen to it play,
Dance with you till day--
Dance with you, my sweet brown Harlem girl.
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Langston Hughes. Juke Box Love Song , 1950
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2008-11-03T10:46:00.006Z

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Porque a natureza é tela e cor e luz. A pincelada mais hábil, ágil, elegante. Mestra. O arco-iris mais perfeito. A composição mais conseguida. Porque. Deixo hoje um post diferente.

É ela quem tenta os homens, desafiando o processo de criação.

Ei-la, então.
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há de novo caminhos de ouriços, pegadas do tempo

travo de luz e cor almofadando os passos

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tudo pode esperar, porque depois da lua há-de nascer o sol

e depois do gelo há-de vir chama

...

somos nós. apenas. que nos atribulamos antecipando ansiedades ou em infrutíferas angústias

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tudo pode esperar, porque depois de nós as noites continuarão a descer

o dia a nascer depois da noite

o sol sucedendo à lua. e assim todo o muitissimo ilimitado

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olhai como as águas devolvem as alturas
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olhai a vida a fazer-se

o ontem pode esperar, para que nos detenhamos a contemplar

2008-10-19T15:27:00.013+01:00

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Où fait-il bon même au cœur de l'orage
Où fait-il clair même au cœur de la nuit
L'air est alcool et le malheur courage
Carreaux cassés l'espoir encore y luit
Et les chansons montent des murs détruits
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Aragon
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Paris oitocentista. Uma paz e harmonia quase teatrais. A literatura e a música em prazo de festim, porque a festa se faz nas salas de espectáculo, nas ruas, em casa. Engenho de belle-époque, anos dourados que a Grande Guerra viria fraccionar.
O automóvel, o aeroplano, o telefone, o gramofone e o cinematógrafo eclodiam prontos a levarem o homem mais longe e, simultaneamente, no registo do efémero, inscrevendo as artes de palco no porvir.
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Apaixonado pela cidade quotidiana, pelas ruas e pelas pessoas, entre o academismo e o Impressionismo, Béraud regista o passante ocasional, prende a atmosfera e a festividade, em telas que são crónicas de Paris.
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Jean Béraud (1849-1935)
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Rien n'égale Paris;

on le blâme, on le louë;

L'un y suit son plaisir, l'autre son interest;

Mal ou bien, tout s'y fait, vaste grand comme il est

On y vole, on y tuë, on y pend, on y rouë.

On s'y montre, on s'y cache, on y plaide, on y jouë;

On y rit, on y pleure, on y meurt, on y naist:

Dans sa diversité tout amuse, tout plaist,

Jusques à son tumulte et jusques à sa bouë.
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Isaac de Benserade
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2008-09-26T01:25:00.022+01:00

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François Girardon & Thomas Regnaudin. Apolo servido pelas ninfas, 1666

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Um dia, há muito tempo tive um sonho. Sonhei que formaria o melhor coro da História. Nesse sonho, as estátuas deste recinto ganhavam vida e, uma a uma, caminhavam até à estufa do pátio. A cada uma que entrava, eu dava vida. Então a estátua cantava com uma voz mágica e angelical. Quando esgotei as duzentas estátuas, o meu coro estava completo. Era um coro de vozes puras, libertas do seu latejo mortal, para sempre vivas…
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Fernando Trías de Bes. O Coleccionador de Sons, história de uma maldição.

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Deusas, Bacantes, Ninfas e outras que tais, elas foram o mote. Inspiradoras musas, que os artistas guiaram. A entidade feminina era o modelo. Mágica, poderosa, sensual e, porém, frágil.

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Prosper d'Epinay. Bacante, 1866

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Rodin. Orfeu e Eurídice, moldado c.1887, executado 1893

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Salvador Dalí. Venus de Milo, 1936
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Dura, difícil, talvez pouco delicada até, a pedra parecia menos indicada às mulheres. E a escultura, entre todas as artes - pintura, música, escrita… - concebia-se como a menos própria para a mulher artista.
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Mulheres escultoras houve-as sempre, ainda que, à semelhança da pintura, muitas esculturas houvessem sido, durante séculos, vendidas como obra de homens artistas. Talvez inclusivé Rodin se tivesse, também ele, apropriado do beijo de Camille, sua aluna e companheira.
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É no tardio século XIX que a mudança se opera, assistindo-se ao desafio levado a cabo pelas mulheres burguesas, fazendo das suas causas debate público, assim procurando uma alteração nos privilégios masculinos que dominavam a cultura elevada e a escultura neoclássica.
Dadas as insuficientes condições de trabalho nos Estados Unidos, onde o trabalho feminino era muito restrito, e cujo mecenato revertia para a estatuária pública, um grupo de mulheres escultoras desloca-se para a Europa no primeiro quartel de oitocentos, fixando-se em Roma. Fogem aos constrangimentos do casamento e levam vidas livres, porém, porque seguindo os códigos da virtude feminina, conseguiram que a sua independência ali fosse aceite. Entre elas, Hiram Powers (1805-1873), Harriet Hosmer (1830-1908), Louise Lanser (1862-1923), produziam trabalhos monumentais de personagens femininas tanto contemporâneas quanto históricas.

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Harriet Hosmer. Beatrice Cenci, 1857 (detalhe)

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Hiram Powers. A Escrava Grega, 1846

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E sim, Claudel. Camille (1864-1943)

E Sarah Bernhardt (1844-1923)

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Sarah Bernhardt. Busto de Louise Abbéma, 1878

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Camille Claudel. As Conversadoras, 1895

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Camille Claudel. Vertumnus e Pomona, 1905
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O facto de estas artistas realizarem tais obras em mármores, algumas monumentais, contrasta com a noção veiculada de que a mulher apenas produzia trabalhos menores e caseiros, meros deleites ociosos. Ousadas, determinadas, lutadoras, da pedra fizeram poesia.
As inspiradoras musas volveram artistas, perderam em idealização, porém, materializando-se, construíram um caminho rumo à paridade.

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Janine Antoni. Lick & Lather, 1993
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2008-09-12T22:59:00.013+01:00

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Trago dentro do meu coração,
Como num cofre que se não pode fechar de cheio,
Todos os lugares onde estive,
Todos os portos a que cheguei,
Todas as paisagens que vi através de janelas ou vigias,
Ou de tombadilhos, sonhando,
E tudo isso, que é tanto, é pouco para o que eu quero.
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Fernando Pessoa, in A Passagem das Horas
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My words fly up, my thoughts remain below.
Words without thoughts never to heaven go.
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Shakespeare
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Trago-o porque sim. É uma paixão tão antiga, nem sei porque não o trouxe antes.
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Gustave Caillebotte (1848-1894)
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2008-09-04T01:52:00.016+01:00

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uma melancolia a atravessar artérias desertas, interiores despojados .
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um vazio, aqui e ali atravessado por uma figura ou objecto
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quietude

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é um silêncio ameno que se desprende das telas,

uma neblina feita de tons apaziguantes

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como que um respirar regrado. um rumor de tranquilidade. apelo à introspecção

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deserto em tons amenos, envoltos em névoa e sombra

magia

e poesia

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a poesia do silêncio

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Vilhelm Hammershoi, dinamarquês. 1864-1916
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2008-04-15T20:57:00.007+01:00

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vivre. quelle joie!
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a vida tal qual
palco do efémero
pantomima
mise en scène
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a fragilidade opondo-se à memória
acasos e incidentes
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teóricos do espectáculo
perenes são os modos

pierre demougins

parisiense, 1966
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2008-03-20T22:52:00.008Z

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Religiosidade, rendas, objectos inanimados, frutos e flores, ao gosto feminino e inocente, ao sabor das estações do ano, ritmo sensual da natureza e revelação do divino, pois que os objectos pintados, profanos ou religiosos, são representações de Deus, bem como do espaço social limitado às muralhas de Óbidos, lugar, na época, de tertúlias literárias e artísticas, que privilegiavam o debate e as ideias.

É a arte de Josefa d’Ayala e Cabrera, Josefa d’Óbidos (1630-1684), misto de poesia e sensações gustativas, num disciplinado rigor. Quentes tons e pinceladas de pétalas brancas sobre chão escuro.
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Filha do pintor Baltazar Gomes Figueira, nasce em Espanha, mas cedo a família regressa a Óbidos, terra de seu pai. Com catorze anos vivia no Convento de Sant’Ana, em Coimbra, enquanto o pai trabalhava no altar-mor da Igreja da Graça. Embora destinada à vida religiosa, não a seguiu. Porém, a arte devocional faz parte dos seus trabalhos, que realizou para conventos e igrejas, e, Meninos Jesus e cordeiros pascais engrinaldados de flores, havendo sido, também, retratista da família real portuguesa.
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Grandemente influenciada pelo Barroco, os seus interesses são diversificados, estampa, gravura, barro e desenho de tecidos. É na gravura que realiza os primeiros trabalhos, datados de 1646. E a pintura, onde se lhe atribuem influências de Zurbarán, católico, a quem vai buscar o tema do Cordeiro Pascal,
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Francisco de Zurbaran. Agnus Dei, c. 1636-40

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à gravura holandesa, protestante; do seu padrinho sevilhano Francisco de Herrera, el Viejo; as trevas de Caravaggio ou a luz de la Tour, os bodegones espanhóis de Van der Hamen ou Sánchez Cotán e as grinaldas de flores, estas originais em trabalhos conjuntos de Brueghel e Rubens (imagem abaixo), divulgadas em Espanha nas primeiras décadas de seiscentos.

Jan Brueghel the Elder and Peter Paul Rubens. Madonna in Floral Wreath. c. 1620
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Porém, o seu verdadeiro mestre foi o seu pai, sofrendo as influências das estampas ítalo-flamengas existentes na residência de Óbidos. Dado viver nesta localidade, a sua pintura não pode ser considerada como entretenimento da corte, nem tão-pouco mera distribuição ordenada de objectos, mas possuidora de um potencial simbólico, de que os jogos de palavras e conceitos do séc. XVII faziam parte.

Josefa foi essencialmente ela mesma, intuitiva, curiosa e gentil, isenta de influências académicas. Pintora já muito disputada no seu tempo, Josefa é a liberdade de criar.

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Roslin e o retrato

2008-03-10T21:21:00.020Z

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Retrato é mimesis, contrato de eternidade. Atravessa eras, escolas, estilos. O retrato soberano ou aristocrático é garante de poder. Ainda vaidade.

Piero de la Francesca (1415-1492), Ghirlandaio (1449-1494), Rafael (1483-1520), Leonardo (1452-1519), Ticiano (1488-1576), Caravaggio (1571-1610), Velasquez (1599-1660), Rubens (1577-1640), Frans Hals (1581-1666), Rembrant (1606-1669). Os Mestres. .

Século XVIII. Um tempo em que as casas reais protegiam os artistas e cuidavam dos espíritos iluminados. O retratista sueco Roslin era o preferido da aristocracia europeia.

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. Curioso viajante, Roslin deixa a Suécia para percorrer a Europa. Trabalha para a corte de Bayreuth, em Itália descobre os trabalhos renascentistas, demora-se em Paris, onde a Académie o recebe encantada. Viena e São Petersburgo fazem ainda parte do seu caminhar, aqui chega a convite da csarina Catarina II. Ter o privilégio de ser por ele pintado dizia da representatividade do retratado na sociedade. . .

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Alexandre Roslin (1718-1793)

2008-02-26T22:41:00.013Z

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uma discreta exuberância,

o quotidiano exacerbado, redimensionado

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minucioso no pormenor, pele, poros,

quase reais, não fora o tamanho desmesurado, ou não, das suas figuras

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Ron Mueck, escultor do hiper-realismo,

a ambígua relação entre o real e o artificial
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a beleza do imperfeito, um tudo nada do belo-horrível

o grotesco prendendo-nos

cada personagem tem uma história, uma vida

um pensamento por detrás do olhar

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2008-02-15T00:01:00.006Z

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Nobody has ever measured

not even poets

how much the human heart can told
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Zelda Fitzgerald, Ballet figures
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Ela foi a musa dos Anos Jazz. Scott's muse.
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Zelda Fitzgerald. Brooklyn Bridge
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Zelda Fitzgerald. The Queen's Croquet-Ground

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I don’t want to live

I want to love first and live incidentally

Zelda
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Zelda Fitzgerald. Marriage at Cana

. Zelda Fitzgerald, Times Square

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I fell in love with her courage, her sincerity and her flaming self-respect and it's this things I'd believe in even if the whole world indulged in wild suspicions that she wasn't all that she should be... I love her and that's the beginning and the end of it, Scott
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Zelda and Scott Fitzgerald

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livres e rebeldes

triunfos e tragédias
letras
tintas
palavras
telas
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luz... cor...
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dreams
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american dreams
winter dreams

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For the first time in years the tears were streaming down his face. But they were for himself now. He did not care about mouth and eyes and moving hands. He wanted to care, and he could not care. For he had gone away and he could never go back any more. The gates were closed, the sun was gone down, and there was no beauty but the gray beauty of steel that withstands all time. Even the grief he could have borne was left behind in the country of illusion, of youth, of the richness of life, where his winter dreams had flourished. "
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Scott, in Winter Dreams

2008-02-03T23:50:00.002Z

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Há em Juan Muñoz um eu que se projecta em todos os outros.

Os outros a servirem de espelho do eu.

Clonagem plástica.

Teatro. Narrativa.

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Há apaziguamento. Porém surpresa.

Ainda desconcerto.

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entre a ilusão e o real, todos iguais. Todos diferentes.

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a mesma face, o mesmo sorriso, o mesmo silêncio
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o potencial e o enigma do gesto humano
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riso
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sorriso, sublimação do riso
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o potencial do riso
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potencial de rir de si mesmo, de fazer o outro rir

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inclusão e exclusão
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Do seu trabalho, Muñoz disse... apenas um homem num quarto esperando o nada

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Juan Muñoz, 1953-2001
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towards the corner
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Londres, Tate Modern. Até 27 de Abril
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2008-01-30T00:45:00.002Z

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For me, sculpture is the body.
My body is my sculpture.

When I was growing up, all the women in my house were using needles. I have always had a fascination with the needle, the magic power of the needle.

The needle is used to repair the damage. It's a claim to forgiveness.

Louise Bourgeois.

Louise bourgeois. paris, 1911

2008-01-19T01:41:00.001Z

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tropeçar

instante

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agarrar,

por equívoco,

vidas iguais

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o usual em
inusitados
contextos
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a
story teller

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Jack Vettriano
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2008-01-14T01:07:00.000Z

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entre a irreverência e a inocência
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a candura
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enigmáticas e serenas
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as meninas/mulheres de

ray caesar
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num mesmo tempo bizarras, provocadoras, sensíveis

universo onírico, ficcionado
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de quietude e inquietude
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2008-01-10T22:43:00.000Z

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moods and places

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ordinary places common places

Solitary pleasures

He is the most american
of painters

Edward Hopper, 1882 – 1967
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Tamara de Lempicka

2008-01-06T01:15:00.000Z

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rules of normal society
don’t apply in the margins

I live life in the margins

Tamara de Lempicka, 1898-1980
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MensageM de NataL

2007-12-18T15:34:00.000Z

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Alemão, Mestre do Renascimento, pintor de Wittenberg, onde passou a maior parte da vida, pintor de Lutero e da corte, cujos trabalhos religiosos foram também muitos, LuKas Cranach é o olhar detendo-se sobre o dramático e o conflito.

Porque é tempo de Natividade, trago as Virgens, Mães e Meninos de Cranach.
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Um sereno e venturoso Natal

Lukas Cranach, O Velho
(1472-1553)

Pintar a Inocência

2007-11-30T02:01:00.002Z

O retrato é, desde o Renascimento, o meio de representação do carácter psicológico. Assim como à infância se dava pouca importância, as crianças eram consideradas insignificantes. Mera fase necessária a ser vivida para chegar à idade adulta, as crianças importavam enquanto promessa de futuro.

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Os retratos de meninos e meninas, onde o vestir não é, por vezes, diferente do dos adultos, mostram a frescura e candura da inocência. Atentos à sua sensibilidade e personalidade, os pintores que os registaram mudaram, para sempre, a percepção da infância.

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Nas imagens que se seguem, as crianças não surgem como acompanhantes de adultos, mas como indivíduos, dotados de carácter. Não são secundários pequenos seres em crescimento. As imagens dignificam-nos. E não terão sido fáceis de realizar.
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Retrato é mostra de personalidade, e a personalidade infantil é labiríntica. Algo irracional, a criança tem amigos imaginários, inventa-se em universos utópicos ou enganosos. Pintá-la, é penetrar no seu espírito, nas suas inúmeras entidades.
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O século dezoito inglês foi o que mais se dedicou a este labor, seria seguido por toda a Europa. Antes, porém, Velásquez, Miguel Ângelo, Hans Holbein, Agnolo Bronzino, e tantos outros, haviam retratado os pequenos seres.

Inicialmente, apenas a realeza e nobreza se podiam dar a este luxo, havendo depois a burguesia representado um cliente valoroso. Com o tempo, tal ensejo alargou-se a todas as classes sociais, sendo a criança abandonada e da rua uma personalidade que cativaria o artista.

William Beechey. The Oddie Children, 1789

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Agnolo Bronzino. Giovanni de Medici, 1549
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Thomas Gainsborough. Master John Truman-Villebois and his brother Henry, c. 1783
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Agnolo Bronzino. Bia, the Illegitimate Daughter of Cosimo I de Medici, 1542
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Friedrich von Amerling. A Fisherboy, 1830
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Anthony van Dyck. The Balbi Children, c 1625-1627
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Hans Holbein. Edouard VII as a Child, 1538
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Elisabeth Vigée Le Brun. Maria Christina of Bourbon-Naples, 1790
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Henri Raeburn. James and John Lee Allen (The Allen Brothers), c 1790
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ao Palácio da Ajuda

2007-11-26T10:46:00.000Z

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Ao Palácio da Ajuda, a mostra Hermitage.

O quadro acima, por si só, justificaria a visita a esta exposição. Exímio no traço e no detalhe, as personagens, rostos, vestuário e adereços são de tal modo perfeitos, que, perante eles, a arte fotográfica se verga.

detalhe
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novo detalhe

de Georges Becker. Coroação do Imperador Alexander III e Imperatriz Mariia Feodorovna, 1883

encontra-se na sala dedicada "ao trono", este montado sobre estrado vermelho
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Seguindo um percurso cronológico, a exposição parte de Pedro, O Grande, fundador de São Petersburgo, do qual constam retratos e objectos pessoais, dizendo do seu gosto pela medicina e ciência

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fabulosas peças, como a reprodução miniatura das coroas imperiais, por Fabergé
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Elemento fundamental da exposição, a pintura. Retratos da família imperial, de figuras históricas ou imagens da cidade de São Petersburgo.
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de autor desconhecido, Menino da Família Terlikov, 1860-70. Este menino, com os seus brinquedos, deliciou-me...
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de igual modo que o quadro abaixo, porque vivo é o olhar

deixo, para último, a belissima Princesa Zinaida Yusupova, 1894, por François Flamery

Um dos mais belos rostos de mulher que já vi. Demorei-me, imaginando-a, entre veludos e sedas, resplandecendo em salões dourados...
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A sala dos Embaixadores remata a exposição. Mesa com nobre baixela em bronze reconstituindo banquete na corte.
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De Pedro, o Grande, a exposição viaja pelos vários reinados até ao último dos Romanov, Nicolau II. Surpreendente. Pelo número e qualidade das peças vindas. Pelos magníficos restauros que lhes conferem brilho e esplendor.
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Arte e Cultura do Império Russo nas Colecções do hermitage - de Pedro, O Grande a Nicolau II

Galeria D. Luís I, Palácio Nacional da Ajuda até 17 de Fevereiro

Alvitra-se a eventual abertura de um pólo Hermitage em Lisboa, à semelhança dos de Londres, Amesterdão e Las Vegas.

Todas as Alices

2007-11-17T15:13:00.000Z

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Hábeis mãos ou
ágil pensamento,
quaisquer elas,
sonham.
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“

Alice é uma personagem-telescópio.
Um telescópio, para existir, precisa de uma paisagem; a função do telescópio é unir-se à paisagem e tirar dela toda a paisaginidade para cada uma das cartilagens de que ele, telescópio, é feito.

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Um telescópio sente.
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Sente toda a paisagem a avançar-lhe por dentro, entrar-lhe nas entranhas e provocar tempestades ilimitadas quentes em que tudo se transforma.

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Com um telescópio pensa-se em ti e aprendemos a regular as medidas de entrar no conhecimento da tua paisagem longinquamente fundida numa distância onde doeu tanto para chegarmos.

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Quando estivermos exactos no amor, quem saberá onde começa a paisagem e onde acaba o telescópio em que o tu-paisagem se vem pôr a amar?

”

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Texto, Aventuras de Alice no País das Maravilhas, Lewis Carroll
-introdução ou átrio-
Ed. Afrodite, Porto, 1976
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João Concha
Imagens (1, 4 a 8)
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Desenhos e Colagens, a tinta da china. Sem título.
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in
http://alicessemtitulo.blogspot.com/
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Olhares Impudicos

2007-10-27T02:56:00.000+01:00

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A moça mostrava a coxa,
a moça mostrava a nádega,
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só não mostrava aquilo-
concha, berilo, esmeralda
que se entreabre, quatrifólio,
e encerra o gozo mais lauto,
aquela zona hiperbórea,
misto de mel e de asfalto,
(...)
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Drummond de Andrade, in O Amor Natural
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Picasso, Les Demoiselles d'Avignon
Manet, Olympia
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Do Interseccionismo e do Cubismo

2007-10-14T02:45:00.000+01:00

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CHUVA OBLÍQUA

Atravessa esta paisagem o meu sonho dum porto infinito

E a cor das flores é transparente de as velas de grandes navios

Que largam do cais arrastando nas águas por sombra

Os vultos ao sol daquelas árvores antigas...

O porto que sonho é sombrio e pálido

E esta paisagem é cheia de sol deste lado...

Mas no meu espírito o sol deste dia é porto sombrio

E os navios que saem do porto são estas árvores ao sol...

Liberto em duplo, abandonei-me da paisagem abaixo...

O vulto do cais é a estrada nítida e calma

Que se levanta e se ergue como um muro,

E os navios passam por dentro dos troncos das árvores

Com uma horizontalidade vertical,

E deixam cair amarras na água pelas folhas uma a uma dentro...

(...)

Todo o teatro é o meu quintal, a minha infância

Está em todos os lugares, e a bola vem a tocar música,

Uma música triste e vaga que passeia no meu quintal

Vestida de cão verde tornando-se jockey amarelo...

(Tão rápida gira a bola entre mim e os músicos...)

in Chuva Oblíqua, Fernando Pessoa, 1914

Violin and Candlestick, Georges Braque, 1910
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paisagem ensolarada.porto sombrio e pálido

a horizontalidade.das águas

a verticalidade.das árvores

os navios que saem do porto

são aquelas árvores ao sol

linhas oblíquas sobre a horizontalidade

imagens móveis.coloridas.luminosas

texto-viagem.a viagem

recuperação de infância, paisagem interior

todo o teatro é o meu quintal,

a minha infância

todo o teatro é um muro branco de música

Os versos caminhando num dehors-dedans

do quarto onde se escreve para o sonho que se sonha

a cor.círculo de sonho

rotações confusas de cães verdes

e cavalos azuis e jockeis amarelos

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jogos de terra e mar

jogos de sombra e luz

lugares de dentro e fora

e o sonho.e a música

cada sensação… um cubo

a estética cubista, assente na intersecção significativa de planos

a linguagem geométrica

E Braque.

as formas cúbicas, a intersecção das cores

o volume

cubos.poliedros.esferas

os objectos como os pensamos

Braque falando para a poesia e a música

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the senses deform

the mind forms

work to perfect the mind

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Georges Braque
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De Gioconda a Quixote, (sor)riso(s)

2007-10-08T23:46:00.000+01:00

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o sorriso, o riso
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A misteriosa dama
O engenhoso fidalgo
confrontos de passado e presente
real e ideal
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a sabedoria
a inocência
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o olhar a viajar
o ensejo de descobrir
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absurdos e absolutos
perturbantes mistérios
au-delà do que a vista alcança, au-delà da mente

O pensamento,
o lugar do privilégio

.
A loucura,
porque ténue é a fronteira

entre a sanidade e a insanidade
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heróis das nossas pessoais novelas
essências e inocências

enigmáticos sorrisos, cavaleiros andantes
assim somos

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* imagens

La Gioconda, Leonardo da Vinci

D. Quixote, Daumier
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Guildas e Academias, Casas do Saber

2007-10-02T01:56:00.004+01:00

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Frans Francken II. Art Room, 1636

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A Guilda de São Lucas deve o seu nome a São Lucas, padroeiro dos artistas, que terá pintado a Virgem. Foi a guilda mais famosa do seu tempo, existindo várias nos Países Baixos [Antuérpia, Haarlem, Bruges].

A ela pertenciam pintores, escultores e outros artistas plásticos, bem como artistas de outras artes, e ainda comerciantes e amantes de arte que funcionavam enquanto patronos. Outras guildas incluíam bordadeiras e outras artes manuais. A primeira Guilda de São Lucas foi criada, em 1382, em Antuérpia, seguindo-se-lhe Bruges, 1453. As escolas holandesa e inglesa guiavam-se pelo sistema da guilda de regra e educação, as italiana e francesa criaram academias de arte, concepção mais moderna que a da guilda de estrutura medieval, baseadas no conceito de um artista escolarizado e imaginativo, não sujeito a um só mestre, mas a um saber de grupo e experiências comuns. A Guilda era sujeita a regras várias. Pressupunha uma fase inicial de aprendizagem; na seguinte, o artista podia trabalhar para um membro e assinar os seus trabalhos; posteriormente, poderia vender os seus próprios trabalhos e, finalmente, criar o seu estúdio. Os Judeus não podiam delas fazer parte e as mulheres eram admitidas como raras excepções.

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Cornelis Cort. An Ideal Roman Academy, 1578

(gravura segundo desenho de Jan van der Straet) .

A associação do trabalho de agulha à pintura terá facilitado a entrada das mulheres, enquanto pintoras, para as guildas de então. Sendo que as mulheres não frequentavam academias, nem era suposto da arte fazerem ofício, tal significava quanto a arte do trabalho de agulha era então elevada. A Guilda de São Lucas de Antuérpia, incluía, em 1586, 8% de mulheres, todas viúvas. A de Bruges, entre 12 a 15% de mulheres, entre 1454 e 1480.

Em Inglaterra, a pintura e o bordado eram vistos como ofícios e não pertenciam a algumas guildas, já os escritores pioneiros da história da arte europeia davam prioridade a três artes, três géneros ditos elevados: pintura, escultura e arquitectura, praticados por profissionais. Impedidas de terem o seu próprio estúdio, de receberem aulas e de as darem, bem como de pertencerem a guildas e academias, apenas nos conventos as mulheres podiam trabalhar em grupo. Criavam narrativas religiosas para altares de Igrejas, logo, a serem vistas pelo público, ao qual visavam passar uma mensagem moral e de guia espiritual.

A imagem acima, de Cornelis Cort, é uma gravura feita para ilustrar o programa de estudos da Academia de Roma em 1578. Segundo o autor do desenho, Jan van dre Straet, na academia ideal não existem mulheres, os jovens aprendizes desenham tendo estatuetas como modelos e aprendem anatomia através de cadáveres e esqueletos. Nela estão representados o pintor, o escultor e o gravador.

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Johann Zoffany. The Academicians of the Royal Academy, 1771-2 .

Em 1563 é fundada, por Giorgio Vasari, a Academia de Desenho de Florença, primeira em Itália, e muitos artistas acorrem para Roma aquando da fundação da Academia de San Luca, por Federico Zuccaro, passando por Bolonha (1582) e Perugia (1573). Ainda em Itália, registam-se a Academia dos Progressistas (1580), em Bolonha, obra dos pintores da família Carracci, e a Academia de Milão, fundada pelo cardeal Federico Borromeo, em 1620. Esta alteração introduzida pelas academias, e, porque no século XVII, a tensão entre os artistas de outros países a praticarem nas cortes e os locais foi crescendo, faz com que as guildas comecem a desaparecer e com elas o seu monopólio.

A mudança vai chegar aos Países Baixos, onde cresce a participação em sociedades literárias e humanistas. Em 1663, a Guilda de São Lucas de Antuérpia, da qual fazia parte Pieter Bruegel, associa-se ao grupo literário Violieren, acabando por se reunirem, fundando a Academia de Antuérpia. Enquanto nas guildas os artistas eram considerados artesãos, as academias aumentam-lhes o prestígio, atribuindo-lhes o estatuto de intelectuais e, ao mesmo tempo, fornecem formação científica e humanística ao artista, ensino de desenho e teoria. Deste modo, ensinam história e filosofia, bem como geometria, anatomia e perspectiva, e possibilitam a assistência a aulas com modelos vivos. São estas igualmente encarregues de divulgar as obras dos seus membros e organizar exposições dos trabalhos destes. Após o sucesso, em Itália, destas instituições, em 1648 Paris assiste à fundação da Real Academia de Pintura e Escultura, com o apoio de Luís XIV, sendo os temas mitológicos e históricos, na senda dos valores da Antiguidade Clássica, os mais veiculados. Porque os artistas italianos eram muito apreciados em França, Luís XIV funda, em 1666, uma Academia Francesa em Roma, de modo a estreitar experiências entre artistas franceses e italianos, e facultar aos franceses uma convivência mais próxima com as obras antigas. . .

Johann Zoffany. The Tribuna of the Uffizi, 1772-7 .

À luz desta experiência, como muitos artistas britânicos estudavam em academias de Paris e Roma, os ingleses decidem, por sua vez, segundo estes modelos, formar a sua própria academia, Real Academia de Arte, em 1768, que se torna inovadora porquanto recorre a modelos de ambos os sexos. Não há referências aos modelos femininos nas já existentes francesa e italiana, onde o estudo do nu feminino era proibido, destas fazendo parte apenas no séc. XIX, embora sabendo-se que tal era comum em estúdios privados. Entre os 36 membros fundadores da academia britânica estavam duas mulheres, Angélica Kauffman e Mary Moser. Veja-se, acima, de Johann Zoffany. The Academicians of the Royal Academy. Uma vez que as mulheres estavam proibidas de assistirem a aulas, ou o seu acesso a elas era limitado, estas não aparecem representadas entre os membros, estando apenas retratadas na parede à direita. Contudo, ambas apresentavam os seus trabalhos nas exposições anuais, o que diz do seu valor académico. A imagem seguinte, pintura de Johann Zoffany. The Tribuna of the Uffizi, apresenta o gosto e valores académicos do séc. XVIII, esculturas gregas e romanas, pintura renascentista, incluindo Rafael, Ticiano e Rubens. Embora os membros representados sejam um grupo masculino, estes admiram obras de arte onde o tema é a mulher (Madonas, Vénus ou Bacantes), indicando que a representação do corpo feminino faz parte da arte e gosto da época. Vénus, em particular, enquanto código simbólico, que na ausência do nu feminino natural, funciona como ideal de beleza feminina e diz da idealização da mulher nua reconstruída pela natureza. .

Adrienne Granpierre-Deverzy. Intérieur de l'atelier d'Abel de Pujol, 1822 . .

Com o caminhar do séc. XIX, as academias vão proliferando ao longo de toda a Europa, algumas depois dividindo-se em temáticas específicas, como a filosofia, ciência e literatura, e abertas ao novo pensamento. As mulheres tornam-se membros activos.

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traço.linha.ponto

2007-09-24T00:16:00.000+01:00

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Leonardo da Vinci. Velho Homem, c. 1490

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do latim designo, vindo a dar desígnio, desenho implica a vontade de concretizar e cria uma ponte com o desejo. O desenho é o modo de transmitir o que vemos ou imaginamos, sem recorrer à palavra. Retém o necessário, rejeita o menos válido. É significar.

Rafael. Estudos de Madonna, 1511-13

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A origem da arte consiste na percepção, na memória e na mimesis. A estética, palavra que surge apenas no séc. XVIII, enquanto reflexão sobre a arte existiu desde a Antiguidade.

Talvez possamos recuar bem mais atrás, e, se não podemos dizer que na pré-história existiam estetas, a estética não existe sem sensibilidade, e aí, os trabalhos pré-históricos realizados pelo Homo Sapiens dizem da sua percepção e dessa sensibilidade.

Mostram, ainda, que este possuía um sentido inato da volumetria, forma e cores e se regia por normas, ainda que apenas ditadas pelo funcional e utilitário, também pela afectividade.
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Lascaux

Imitando gestos e atitudes, esta arte figurativa será, porventura, uma primeira forma de teatro, uma arte que desconhecemos se terá existido também apenas pelo prazer ou se era constante a procura da magia, pois que, a par do realismo e simbolismo, a componente mágica parece sempre presente.

Nas cavernas, muitas delas santuários, representavam-se as boas caçadas a que se aspirava. Usando uma linguagem de gestos, a imitação do real era constante embora se menosprezassem os pormenores.
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Lascaux

Segundo Vitruvius (escritor, arquitecto e engenheiro romano, séc. I a.C), para quem as regras de simetria e proporção eram essenciais para o desenho arquitectural, a proporção é a correspondência entre as medidas das partes de um todo tendo como referência um ponto ou elemento, e daqui resultam os princípios de simetria.
Nos sécs. XV e XVI, os arquitectos italianos retomam as ideias de Vitruvius, formulando uma linguagem e vocabulário nos pressupostos de então. E o Homem Ideal de Leonardo da Vinci, baseado na concepção da forma do homem inscrita num círculo dentro de um quadrado, mais não faz do que seguir a teoria de Vitruvius quanto às proporções ideais por Leonardo equacionadas e relacionadas com fomas matemáticas e geométricas.
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Leonardo da Vinci. Homem Ideal, Vitruvius Man

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Observe-se o desenho abaixo, de Escher. Identifique as figuras que aí vê num primeiro olhar. Observe, em seguida, com mais atenção. Se seleccionou as imagens a negro, concentre-se, agora, no que seria o suposto fundo branco. Ou vice-versa.

Desenho e fundo mais não são do que duas entidades perceptivas, que o homem observa e distingue como entende, vendo o que quer ver, procurando-lhe os significados que precisa.
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Maurits C. Escher
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Na ausência do cromático, é a gradação tonal claro/escuro, o “sfumatto”, a definirem a volumetria, o chão ou fundo onde o desenho se destaca.
Esboço ou croquis, suporte primeiro de muitas pinturas, ou desta arte independente; na sua génese, o desenho é traço, linha e ponto.
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Para a Gruta de Lascaux, a Capela Sistina da Pré-história, visite este site

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http://www.culture.gouv.fr/culture/arcnat/lascaux/en/

Olhar mais em frente, mais além

2007-09-05T18:53:00.002+01:00

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O final do séc. XIX início do XX assiste à mudança no mundo ocidental.
Os antigos cânones dão lugar a movimentos de vanguarda, que rompem com a tradição e com o mundo real e traduzem esse desejo de mudança. São um novo estar e uma nova linguagem que se reflectem nas diferentes expressões artísticas, pintura, música e literatura, áreas temáticas por excelência.
O relativismo e o incerto substituem o racionalismo e o absoluto, tendo como motores a relatividade de Einstein e a psicanálise de Freud.
São de vanguarda o Cubismo e o Abstraccionismo (disciplinados e racionais), o Fauvismo e o Surrealismo (emotivos e impulsivos) e outros que a par coexistiram.

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fauvismo (1905)
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O Fauvismo, movimento determinantemente francês, liderado por Matisse, é a primeira expressão vanguardista, rejeição do convencional. Aposta na cor expressiva e selvagem, agressiva até, solta e liberta, que se sobrepõe à forma cujos volumes distorce.
Apelidados de “feras” (les fauves), apropriaram-se desta designação. Falamos de Matisse, Maurice de Vlaminck, André Derain.

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Henri Matisse. La Leçon de Musique, 1917

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Maurice de Vlaminck. La Maison Bleue, 1906

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expressionismo (1905)
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Enquanto em França surge o Fauvismo, nasce na Alemanha (Dresden), com o grupo Die Brucke (A Ponte), o Expressionismo. É um grito de revolta e agressividade contra a moral excessiva que calava os estados de alma. Pintura de grande subjectividade, diz das emoções e, nas telas, deixa falar a angústia, a solidão, o desespero.
Kirchner, Rouault, Franz Marc, Max Beckmann, Otto Mueller, Emil, Nolde, Eduard Munch são os nomes mais sonantes.

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Ernst Ludwig Kirchner. Potsdamer Platz, 1914
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Max Beckmann. Frauenbad Women's Bath, 1919
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cubismo (1907)
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Influenciado por Cezanne, Picasso pinta Les Demoiselles d’Avignon, considerada a primeira obra do Cubismo que, em oposição ao Fauvismo, apela à simplificação, decompondo os objectos em formas geométricas.
A cor é menosprezada em favor da forma e volume, procura de uma beleza que não a tradicional influenciado pela máscara africana e sua volumetria.
O cubista não pinta a realidade que vê, mas o que se não vê, embora exista enquanto forma estrutural subjacente ao real. Com a destruição da tradicional perspectiva, o Cubismo abre a porta ao Abstraccionismo.
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Pablo Picasso. Les Demoiselles d'Avignon, 1907
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Georges Braque. Plat de Fruits, 1913

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abstraccionismo (1910)
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O traço e a cor em liberdade são as características do abstracto. Na origem do Abstraccionismo estão as telas de Kandinsky resultado das experiências expressionistas e cubistas. É a pintura completamente liberta da tradição e convenção, recusa do real e do visível.
O objecto dá lugar a linhas, cores e formas, belas ou não, composições onde o acessório se ausenta.
A Kandinsky juntam-se os nomes de Delaunay, Vieira da Silva e quase todos os cubistas.
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Wassily Kandinsky. Black and Violet, 1923

Vieira da Silva. Bibliothèque en Feu, 1974
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futurismo (1909)

O Futurismo surge com a publicação do I Manifesto Futurista de Marinetti, cântico da modernidade, movimento que se desenvolve em Itália na sucessão de outros manifestos do autor.
Rejeição do clássico e do tradicional, faz a apologia da tecnologia e da máquina, do ruído e do progresso. Parte do Cubismo, que rejeita, apresentando os objectos fragmentados em diferentes planos sobrepostos. A posterior identificação com o fascismo determina o seu enfraquecimento.
Umberto Boccioni, Gino Severini, Giacomo Balla são os artistas deste movimento.

Umberto Boccioni. Volumi Orizzontali, 1912
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Gino Severini. Red Cross Train Passing a Village, 1915
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dadaísmo (1916)

Tendo como ponto de partida outro poeta, o romeno Tristão Tzara, o Dadaísmo, ou movimento Dada, nasce na Suiça (Zurique). Retrata o desprezo pela violência e guerra, pelas regras sociais e pela arte em si, emprega o humor e o sarcasmo escarnecendo da expressão artística.
Negando os conceitos de arte e respectivas técnicas, o Movimento Dada faz da Antiarte a arte, elevando os objectos comuns a obras de arte.
Os nomes, Marcel Duchamp, André Breton, Hans Arp e Max Ernst.
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Marcel Duchamp. Le Roi et la Reine, 1915
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Max Ernst. At The First Clear World, 1923
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surrealismo (1914)

O Surrealismo nasce na Suiça (Zurique), da influência do Movimento Dada, aquando do I Manifesto do Surrealismo de André Breton e sua cisão. Sequência do dadaísmo, a diferença consiste no vínculo que mantém com a doutrina de Freud.
Arte do irracional e do inconsciente, marcada pelos mundos onírico e da alucinação é a manifestação de arte mais individualista e o movimento mais inovador do pós-guerra.
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Yves Tanguy. Jour de Lenteur, 1937
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Giorgio Morandi. Natura Morta, 1938
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Caracterizam-no duas tendências, a abstracta, reprodução do mundo metafísico e a figurativa, reconstrucção do imaginário segundo um pendor poético.
Yves Tanguy, Joan Miro e Giorgio Morandi fazem parte da primeira, Salvador Dali, René Magritte e Marc Chagall da segunda.

Salvador Dali. La Mano, 1930
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Marc Chagall. La Maison Bleue, 1917
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Rumo a Ítaca

2007-08-28T01:29:00.000+01:00

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Porque a vida consiste no caminho
e em como se faz a caminhada
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Salvador Dali

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“O entardecer de Verão tinha começado a estreitar o mundo no seu misterioso abraço. Lá longe, no ocidente, o sol estava a pôr-se e o último resplandecer de todo o também efémero dia detinha-se amorosamente no mar e na areia, no orgulhoso promontório do querido, velho Howth, guardando, como sempre, as águas da baía, sobre as rochas cobertas de algas ao longo da praia de Sandymount e, por último, na tranquila igreja de onde por vezes, sobre a paz, manava a voz das preces àquela que na sua radiância é um farol perpétuo para o atormentado coração do homem, Maria, a estrela do mar.

As três amigas, estavam sentadas nas rochas a gozar o espectáculo da tardinha e o ar que era fresco mas não demasiadamente frio.”

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James Joyce, in Ulisses
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Rubens. Ulisses na Ilha dos Fenícios, 1630-35

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“Durante os vinte anos da sua ausência, os habitantes de Ítaca conservaram muitas recordações de Ulisses mas não sentiam por ele qualquer nostalgia. Enquanto Ulisses sofria de nostalgia e não se recordava de quase nada.

Pode compreender-se esta curiosa contradição se se considerar que a memória, para poder funcionar bem, precisa de um treino incessante: se as recordações não são evocadas, uma vez mais e outra vez ainda, nas conversas entre amigos, vão-se embora.

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Claude Lorrain. O Regresso de Ulisses, 1644

E, convencidos de que nada a não ser a sua Ítaca lhe interessava (como teriam podido não o pensar se ele percorrera a imensidão dos mares para regressar ali?) seringavam-lhe o que se passara durante a sua ausência, ávidos de responderem a todas as suas perguntas. Nada o aborrecia mais que isso. Só esperava uma coisa; que lhe dissessem enfim: conta! E foi a única palavra que nunca lhe disseram.Durante vinte anos só pensara no seu regresso. Mas uma vez de volta compreendeu, espantado, que a sua vida, a própria essência da vida, o seu centro, o seu tesouro, perdera-o e só poderia reencontrá-lo contando.”

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Milan Kundera, in A Ignorância
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James Draper. Ulisses e as Sereias, 1909

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ÍTACA

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Se um dia partires rumo a Ítaca,

reza para que o caminho seja longo,

cheio de aventura e de conhecimento.

Não temas monstros como os Ciclopes ou o zangado Poseidon:

Nunca os encontrarás no teu caminho

enquanto mantiveres o teu espírito elevado,

enquanto uma rara excitação agitar o teu espírito e o teu corpo.

Nunca encontrarás os Ciclopes ou outros monstros

a não ser que os tragas contigo dentro da tua alma,

a não ser que a tua alma os crie em frente a ti.

Deseja que o caminho seja bem longo

para que haja muitas manhãs de Verão em que,

com quanto prazer, com tanta alegria,

entres em portos que vês pela primeira vez;

Para que possas parar em postos de comércio fenícios

aí comprar coisas finas, madrepérola, coral e âmbar,

e perfumes sensuais de todos os tipos

tantos quantos puderes encontrar;

e para que possas visitar muitas cidades egípcias

e aprender e continuar sempre a aprender com os seus escolares.

Tem sempre Ítaca na tua mente.

Chegar lá é o teu destino.

Mas não te apresses na viagem.

Será melhor que ela dure muitos anos

para que sejas velho quando chegares à ilha,

rico com tudo o que encontraste no caminho,

sem esperares que Ítaca te traga riquezas.

Ítaca deu-te a tua bela viagem.

Sem ela não terias sequer partido.

Não tem mais nada a dar-te.

E, sábio como te terás tornado,

tão cheio de sabedoria e experiência,

já terás percebido, à chegada, o que significa uma Ítaca.

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Konstantinos Kaváfis

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Ingres. Ulisses,1850
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Despojos de Intenção

2007-08-22T00:12:00.000+01:00

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Eu não sou um pintor, sou um poeta.

Porquê? Penso que preferia ser

um pintor, mas não sou. Bom,

Mike Goldberg, por exemplo,

está a iniciar um quadro. Eu apareço.

"Senta-te e toma uma bebida" diz

ele. Eu bebo; nós bebemos. Reparo

"Tu tens sardinhas aí."

"Sim, precisava de qualquer coisa ali."

"Oh." Eu saio e os dias passam

e eu apareço de novo. O quadro está

terminado. "Onde estão as sardinhas?"

o que resta são apenas

letras. "Era demasiado", diz Mike.

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Pedro Fernandez, Oranges

E eu? Um dia estou a pensar numa

cor: laranja. Escrevo uma linha

acerca de laranja. Em breve é uma

página que está cheia, não de linhas, de palavras.

Depois outra página. Deveria haver

muitíssimo mais, mas não laranja,

palavras, como é terrível o laranja

e a vida. Os dias passam. Acontece ser

em prosa, sou um verdadeiro poeta. O meu poema

está terminado e ainda nem sequer mencionei

o laranja. São doze poemas, chamo-lhes

laranjas. E um dia numa galeria

vejo o quadro de Mike, chamado SARDINHAS.

Frank O'Hara, in Vinte e Cinco Poemas à Horas do Almoço.

Mike Goldberg, Sardines, 1955

On Va à La Plage

2007-08-16T01:10:00.000+01:00

Eugène Boudin (1824-1898)

Plage à Trouville, 1860-70

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Edouart Manet (1832-1883)

Sur la plage à Boulogne, 1872

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Alfred Sisley (1839-1899)

Les Régates à Moseley, 1874
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Paul Cézanne (1839-1906)

La Baie de l'Estaque, 1886

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Claude Monet(1840-1926)

La plage de Sainte-Adresse, 1867

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Pierre-Auguste Renoir(1841-1919)

Jeunes filles au bord de la mer, 1894

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Paul Gauguin(1848-1903)

Mahana no Atua, 1894

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Gustave Caillebotte(1848-1894)

Regate en Argenteuil, 1888

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Vincent Van Gogh (1853-1890)

La plage de Schéveningue, 1882

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Georges Seurat (1859-1891)

Une Bagnade à Asnières, 1884

Paul Signac (1863-1935)

Port de Saint-Cast, 1890
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O Impressionista “prende” o momento, a sensação. É a pintura a sair à rua, pela primeira vez. Uma forma diferente de aperceber a natureza, não como se de uma máquina fotográfica se tratasse, não o detalhe, mas a impressão sentida, vivida.
Técnica que se anunciara em Eugène Boudin, precursor deste movimento, que já trabalhava a técnica de pintura ao ar livre, mestre de Monet.
Os contornos diluem-se, as sombras tornam-se imprecisas. As cores aplicam-nas em pinceladas justapostas que permitem maior luminosidade. Vivas.
Cores outras, diferentes das até aí comuns na pintura. E, assim, a natureza surge outra. Luz e movimento. Fluidez de horizontes. Sol, entardecer, neve. As variações atmosféricas, nevoeiro e vento.
A Bretanha e a Normandia atraem pela sua luz e paisagens marítimas. Paisagens em movimento que proporcionam jogos de horizontalidade e verticalidade e atraem os pintores impressionistas, bem como os dos movimentos seguintes.
Signac, neo-impressionista, o pintor da luz e do pontilhismo, mestre de Gauguin, pós-impressionista, é ele quem aconselha este a recorrer às cores fortes.
Gauguin, ponte com as novas tendências, é o motor da École de Pont-Aven, localidade onde se faz o encontro de rio e mar, e, devido à sua escola, torna-se um lugar de afluência e encontro de artistas. A pintura jogo de contrastes em ruptura com o Impressionismo, em comum a paixão pelo mar e os longos horizontes.
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Milagre Que Fez

2007-08-08T02:33:00.000+01:00

. ex-voto português

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Singelos quadrinhos pintados, a traço inocente.
Imagens de cor, legendas de duvidosa ortografia, que ignoram receitas académicas.

São ex-votos.

Pictóricos. De autoria quase sempre anónima.

Qualquer ponte com superstição é puro engano.
A superstição é domínio da magia, receita mecânica, poção, pacto ou talismã, em troca da qual se exige uma protecção. No domínio do sagrado, o ex-voto não é talismã ou amuleto, a concessão divina e a adoração dos homens conferem-lhe uma pureza exemplar.

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ex-voto francês

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Ex-votos eruditos há-os, poucos. São, essencialmente, crença de gente desprotegida, do campo e zonas piscatórias, raros os urbanos. Porque na aldeia se ficava mais perto de Deus que dos homens.

Encomenda feita a pintores locais, que sobre madeira ou folha de flandres, materiais mais frequentes, pontualmente a tela, deixam a sua arte, contam uma história. Decoram paredes de capelas e santuários, onde se suspendem, para que a mensagem passe, para que outros incite, para que o prestígio da entidade divina se consolide.

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ex-voto italiano

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A sua maioria apela à Virgem, que surge envolta em cenário de núvens, e aos santos, que atendem segundo graças específicas, mediadores que facilitam os excessos e familiaridades inconcebíveis em presença da Santíssima Trindade. Por vezes, quando na resposta tardavam, estes se castigavam, de cabeça para baixo, voltados para a parede, cobertos por um pano, dizendo da relação de familiaridade, do contrato com o divino. Prática de pedido-resposta.

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ex-voto alemão
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Código de cultura oral, testemunho social, histórico e artístico permitem-nos vislumbrar homens, mulheres e ambientes. Dão conta de enfermidades, dizem da época, do quotidiano, do trajar.
Promessas. Para seu cumprimento, ou pagamento, se ía em romaria, por vezes em dia de padroeiro, por vezes longe, pois que “santos à porta de casa não fazem milagres”. Ermos lugares, espaços do sagrado onde o profano se inscreve. Aí se reza, se come e bebe, se dança, convive. Em representações do ritmo.

ex-voto francês

Falam da doença. Do homem. Dos animais, garante da sobrevivência familiar.

Falam do acidente. Em casa. No campo. No trabalho. Na estrada.

Falam do naufrágio. No mar. No rio, que aí também ocorrem.
Falam de guerra.
Falam.......... de...

ex-voto mexicano

A fotografia terá determinado o seu fim. Muitos, contudo, sobreviveram, e tantos outros se perderam. Desgaste do tempo, factores atmosféricos, deficiência dos materiais de suporte, pigmentos de inferior qualidade, incúria e ignorância sobre eles agiram.

O pedido em momento de aflição. Vozes e preces. A graça concedida. A dor superada.

Ex-votos. Construção dramática de inspiração fresca e leve, numa profusão de cores e desejo verdadeiro. Mais do que relatos de vida e morte, testemunhos de fé e esperança. Narrativas de dor e de amor dependuradas em paredes austeras.
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Palcos de Quietude e Emoção

2007-07-29T18:55:00.000+01:00

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Nikias Skapinakis, A Ausência do Teatro
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.Quarto de Amadeo

Se o teatro clássico era o lugar da palavra, e, com o tempo, nele vimos a assistir ao proliferar do silêncio... reveja-se Nikias Skapinakis, o pintor da espera e do silêncio – a ausência do teatro.

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Nas suas telas, os elementos isolados postos em relação, a ausência de efeitos luminosos ligando as formas. Os elementos no lugar certo, no plano do imediato e da simplificação. Tranquilo, seguro de si, nulamente agressivo, o mistério nascendo na tela e a pintura metamorfoseando a realidade... Skapinakis. O au-delà das aparências.

As telas dizem do espaço mental, melancólico mas lúcido, sendo a solidão o elemento emocional pelo qual a pintura se define. Uma pintura que permite reconstituir a obra no seu contexto social, geográfico e temporal. O nulo efeito teatral, a distanciação.
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Solidão, o quarto, espaço de sonho e viagem. Nikias e o quarto imaginário de Amadeo. Interior minimalista e universo apenas sugerido, onde o pintor mergulha em sonhos de outros.

Nikias Skapinakis, Prémio Amadeo de Souza-Cardoso.

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Amadeo, o Teatro da Originalidade
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A Europa desertificada dos grandes artistas sob as guerras mundiais. A febre de viver de uma época castrada. Amadeo... dos cafés de Paris à casa de Manhufe e ao Corpus Christi... o homem do mundo tão apaixonado pela sua terra natal...

Persursor da arte moderna, Amadeo... vanguardista na forma e no espaço. Teatro da cor, lugar de diálogo.

A pluralidade da sua pintura em fascinantes jogos de cores, texturas, geometrias, profundidades. A imaginação e a poesia dos números... em cores enérgicas.

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Vénus, O Cíclo Diurno

2007-07-25T02:15:00.002+01:00

. Salvador Dali. Madona de Port Lligat, 1ª versão, 1949

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"Sob o arco da Vida, vigiado por Amor e Morte, Terror e Mistério, vi no trono Beldade; embora severo sorvi seu olhar como respiro meu.
Seus são os olhos que de todos os lados viram o céu e o mar sobre ti - que a um mesmo império com o mar ou mulher ou céu fazem prisioneiro quaisquer que a servir-lhe seja destinado.
Esta é a Dona Beldade, em cuja honra mão move e voz.".

Dante Rossetti, in Sybilla Palmifera, 1860
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Salvador Dali. Madona de Port Lligat, 2ª versão, 1950

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Gala reactivando a pureza original, sua e de Maria

Gala, nova rainha do Céu

planando sobre a água

O primeiro adorador, o pintor, ele mesmo

em fractura da representação do imaginário cristão

Em profanação? Em amor?

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"O pintor é dono de todas as coisas que podem cair no pensamento humano; porque, se ele desejar ver belezas que o apaixonem, será senhor de gerá-las e, se quiser ver coisas monstruosas que espantem ou que sejam histriónicas ou ridículas ou verdadeiramente lastimáveis, ele é seu senhor e criador. E, se quiser gerar sítios desertos, lugares sombrios ou frescos nos tempos quentes, figurá-los-à e também lugares quentes nos tempos frios.
Se quiser vales, o mesmo; se quiser dos altos cumes dos montes descobrir uma grande campina e se quiser depois ver o horizonte do mar, será capaz disso; e assim também se, dos fundos dos vales, quiser ver os altos montes, ou dos altos montes, os fundos vales e as praias. E, com efeito, o que está no universo por essência, presença ou imaginação, ele o tem primeiro na mente e, depois, nas mãos que são de tão grande excelência que ao mesmo tempo criam uma proporcionada harmonia num só olhar como as coisas fazem. "
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Leonardo da Vinci. in Tratado de Pintura VI, 1498
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.elnoite

Mensageira do sol

entre os deuses e os homens

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Nascimento de Vénus, Boticelli

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filha da lua

harmonia.doçura

aurora.crepúsculo
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Vénus com espelho, Velasquez

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amor.voluptuosidade.prazer
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Pin-up girl, Alberto Vargas

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instinto
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sedução e sensualidade

beleza e graça

Deusas Musas

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a essência do feminino
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mulher

Vieira da Silva em Testamento

2007-07-18T01:23:00.001+01:00

. Maria Helena Vieira da Silva La Puerta del Sol, 1967 . . Um azul cerúleo para voar alto. Um azul cobalto para a felicidade. Um azul ultramarino para estimular o espírito. Um vermelhão para o sangue circular alegremente. Um verde musgo para apaziguar os nervos. Um amarelo ouro: riqueza. Um violeta cobalto para o sonho. Um garança para deixar ouvir o violoncelo. Um amarelo barife: ficção científica e brilho; resplendor. Um ocre amarelo para aceitar a terra. Um verde veronese para a memória da primavera. Um anil para poder afinar o espírito com a tempestade. Um laranja para exercitar a visão de um limoeiro ao longe. Um amarelo limão para o encanto. Um branco puro: pureza.

Terra de siena natural: a transmutação do ouro. Um preto sumptuoso para ver Ticiano.

Um terra de sombra natural para aceitar melhor a melancolia negra. Um terra de siena queimada para o sentimento de duração. . . Maria Helena Vieira da Silva, in Testamento.

Do Feminino e Do Masculino

2007-07-03T14:40:00.005+01:00

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Jake e Dinos Chapman. Zygotic Acceleration, biogenetic-de-sublimated Libidinal Model, 1995 . .

Tem o processo de representação género?

Existem técnicas de pintura masculinas e femininas?

E o nosso olhar, de mulheres e homens, remete para diferentes formas de observar a pintura?

. O género é uma construção cultural de feminino e masculino oposta ao sexo biológico. Macho e fêmea dizem de características associadas a natureza biológica e física, feminino e masculino descrevem associações culturais que poderão incluir elementos biológicos. Embora a criatividade artística não fosse exclusivamente masculina, sendo a participação da mulher efectiva já desde o séc. XVI, a profissão de pintor era dominada pelos homens ainda no séc. XIX. As oportunidades dadas às mulheres eram muito limitadas e comportavam grandes desvantagens sociais.

Catarina van Hemessen. Self-Portrait, 1548 .

Este quadro, de Catarina van Hemessen, 1548, é o primeiro auto-retrato conhecido de uma mulher. Representa-se a artista e contém a inscrição em latim “Eu Catarina de Hemessen pintando-me a mim mesma com a idade de 20 anos”. Curiosa esta inscrição que pretende não deixar dúvidas quanto à autoria, pois o suposto seria vir a atribuir-se este retrato a um qualquer pintor da época. Visionária :) Catarina pretendeu sobre tal não deixar dúvidas. Num tempo em que se pretendia dar ênfase ao racional e imaginativo e menos ao conteúdo prático, uma mulher aparece pretendendo ter como prioridade mostrar que conseguia pintar. . Avancemos até ao séc. XIX, o quadro abaixo, “Le Balcon” de Manet, mostra Berthe Morisot, pintora, Fanny Claus, violinista, e Antoine Guillemet. Ambas as mulheres são representadas sem referência às suas profissões ou apetências artísticas. Manet pintou vários quadros de Morisot sem nunca indiciar a profissão da sua modelo. .

Edouart Manet. Le Balcon, 1868-9 .

Neste quadro, os retratos das mulheres surgem como modelos de passividade e do doméstico, construções normativas do feminino, em contraste com a austeridade negra da figura masculina. A cena, de profissões ausente, será vista como informal, representação de cena doméstica, social e não profissional é certo, porém, muito indiciadora. Vestem as mulheres esvoaçantes e diáfanos vestidos, os atributos do feminino representam-se nos acessórios e são estas dotadas de olhares vagos e expressões divagantes. Ou seja, os retratos de mulheres pretendem-se mostra da sua beleza, elegância e qualidades. Assim as vêem os homens, inclusivé os pintores. Curiosamente, a representação da varanda remete para a mesma organização burguesa da audiência na ópera, determinando a etiqueta que as senhoras ocupassem os lugares da frente (sentadas) e os homens permanecessem atrás, em pé. As senhoras tinham a função de serem observadas, os homens a de observarem, porventura, outras mulheres. .

Edouard Manet. Emile Zola, 1868 .

Assim, as convenções determinavam que os homens fossem representados revelando as suas aptidões, como se pode ver nestoutro quadro de Manet, mas tal ausentava-se nas mulheres, que se representavam sem dados que dissessem do seu estatuto. .

Segundo o ponto de vista técnico, os processos de pintura do séc. XIX, e parte do XX, parecem poder ser observados, também, segundo o “género”. Deste modo, relaciona-se o desenho à prática masculina, enquanto o colorido é apercebido como prática feminina, associando-se os trabalhos mais libertos de Van Gogh e Gauguin, pelo seu colorido e técnica, a uma criatividade inovadora masculina. .

Observemos, agora, a imagem abaixo, motivo de imensa controvérsia, ícone da actividade do movimento feminista nos anos setenta do séc. XX. .

Judy Chicago. The Dinner Party, 1979 .

The Dinner Party, de Judy Chicago consiste numa mesa triangular, cada lado com treze lugares, cada lugar celebrando uma antiga deusa ou mulher que se destacou na história ocidental. A mesa está exposta no Museu de Arte de São Francisco, num piso chamado The Heritage Floor, cujo chão é coberto a porcelana e nela inscritos os nomes de 999 mulheres. .

The Dinner Party, excerto

. Percorrendo vários estados e cidades dos Estados Unidos, The Dinner Party gerou debates profundos. Por um lado chegando a ser avaliado como pornografia, pela cerâmica e imagens que remetem para a genitalidade feminina, acusado da identificação da mulher em termos biológicos e não sociais ou políticos. Por outro, levantou a questão de estas imagens poderem ser usadas para o prazer masculino, pois importante é o olhar, primeira cognição da diferença sexual. Nesta perspectiva da importância do olhar, enquanto portal aberto ao conhecimento e prazer que este pode trazer à mente, fruto de uma sociedade gerida pelo masculino e seus valores, vejamos, na imagem abaixo de Paul-Joseph Jamin, como este conhecimento pode ser usado em função do poder de manipulação e desejo. .

Paul-Joseph Jamin. Le Brenin et sa part de butin, 1893

. O que aqui vemos é a figura vitoriosa do guerreiro conquistador olhando as mulheres capturadas, vítimas de rapto e sugerindo inclusive a eventual violação. A figura masculina reclamando autoridade, as figuras femininas em convite ao voyeurismo erótico. Deliberadamente, estas, nuas ou meio despidas, apresentam diferentes ângulos e posturas encorajadoras de fantasias sexuais, convidando o espectador masculino a nelas projectar as suas próprias fantasias, imagem que as feministas de setenta veriam como claramente representativa dessa cultura patriarcal, servindo-se dos corpos femininos enquanto objecto de desejo. .

Ingres. Turkish Bath, 1862

. Comparemo-lo com O Banho Turco de Ingres. Tirou Ingres a ideia destes nus no interior de um harém, da correspondência de Lady Mary Wortley Montague, mulher do embaixador inglês, que nessas cartas descreve os banhos em Seraglio. A primeira fase deste quadro foi realizada em 1852, por encomenda do Conde Demidoff, mas não entregue, vindo a ser adquirida pelo príncipe Napoleão que, depois da intervenção da princesa Clotilde escandalizada com esses nus, o devolveu a Ingres.

O pintor guardou-o durante vários anos e nele foi realizando várias modificações, finalizando-o em 1862, quando o assinou dizendo com orgulho que era obra de um homem de oitenta e dois anos.

. Inspirou-se, ainda, nas odaliscas, figuras que ele admirava, enquanto mulheres devotadas a conservarem a sua beleza e charme de modo a oferecerem prazer ao seu sultão. O quadro descreve beleza e graça, mulheres que exibem o seu corpo, sem qualquer sinal de obscenidade nas suas posições, e diz da admiração do pintor pelos artistas greco-latinos, uma procura comum da beleza perfeita, através de corpos sensuais mas de forma inocente. . Sendo que a representação da sexualidade feminina foi vital para as artistas feministas dos anos 60 e o prazer sexual feminino tema de trabalho importante nos anos 70, a obra de Judy Chicago surgiu nesse despertar de modernidade, no tempo certo. Fugindo aos modelos patriarcais, o olhar de uma mulher produzindo imagens de corpo de mulher. . .

Obrigada!

2007-06-23T02:28:00.000+01:00

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Por vezes, a vida pede uma pausa para mudança ou retemperamento.Tenho saudades de mais livros, mais música, mais filmes, mais telas e tintas, mais rendas e bordados :) , saudades do sofá à noite ou, agora que chega o Verão, de mais ar livre. Os meus cantos vão ficar em repouso, uma pausa para que a vida se faça mais “real”.
Agradeço a todos quantos me visitaram e tiveram a bondade de me ler e voltar,
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aos que me acompanharam desde o Horas-e-Deshoras que, vítima das minhas crises sazonais :) , num impulso apaguei…
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… Rigoletto, tantas vezes meu alento, que viu nascer e crescer todos os meus espaços, e que, com tanto rigor, me dizia “Coitados dos blogs, são eles que pagam os humores” :) , embora saiba tão bem quanto eu que isso é inevitável

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… Bandida, Elisabete e Y [a ordem é alfabética :) ] que, termómetros das minhas emoções :), se mantiveram de presença firme para que eu não desistisse
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… Julieta que, quando apaguei o Horas, me disse, muito zangada, que eu era uma tremenda egoísta e não respeitara quem gostava de me visitar e me lia
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… Luísa que, também muito zangada, disse que nunca mais me deixaria uma linha, mas sei aqui continua a vir

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[parece que tenho uma apetência especial para personalidades fortes :) ]
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Rigoletto, Bandida, Elisabete, Y
os vossos comentários, pensamentos e juízos de valor, inteligentes, críticos e carinhosos, enriqueceram cada um dos meus textos e deram-me, frequentemente, ideias para os seguintes. Os vossos espaços, da minha Lisboa, da ilha ao outro lado do mar, ópera, cinema, palavras e silêncios, lugares vossos, construídos com paixão, fizeram-me companhia noites adentro [que eu tenho este defeito/virtude de me demorar nas horas silenciosas].
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aos que mais recentemente me visitam e se tornaram assíduas presenças, cujos cantos, do cinema à poesia ao desenho e gravura ou artes e técnicas mistas, são outros lugares de bom gosto que me proporcionaram novas leituras de prazer,
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Paula e Rui
Saramar
Frioleiras
Fernando
Mar Arável
Triliti Star
Luís Galego
CM

Alquimista
Maresia

Juliana

Prada
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Abaixo, estão as ligações para cada um, [alfabeticamente ordenadas] :) como sugestões de visita.

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[Elisabete, creio que acabei por responder ao teu desafio e consegui fazer uma lista de blogs de amor, pois todos estes são lugares feitos com empenho e paixão]
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www.abrindojanelas.blogspot.com
www.alquimiadossonhos.blogspot.com
www.anjosvestemprada.blogspot.com

www.artesetima.blogspot.com
www.bandida-bandida.blogspot.com
www.casteletesempre.blogspot.com

www.conversasdetudoenada.blogspot.com

http://elisabetecunha.wordpress.com
www.fernandopalma.blogspot.com
www.gringasempre.blogspot.com

www.infinito-pessoal.blogspot.com
www.lisboantiga.blogspot.com
www.mararavel.blogspot.com
www.maresiaeluar.blogspot.com
www.marinterno.blogspot.com

www.mendesferreira.blogspot.com
www.musgu.blogspot.com
www.operapertutti.blogspot.com
www.paixoesedesejos.blogspot.com
www.qsarilho.blogspot.com
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Agradeço, também, àqueles que pontualmente me visitaram e, porventura, teriam voltado se o tempo mais fluisse.
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O Horas-e-Deshoras foi um lugar de paixão que me deixou saudades. Acabei de o reeditar. Dele guardei textos e imagens, que comecei e continuarei a restaurar, quando/se surgir aquele apelo irresistível :)
Peço desculpa por não serem colocados os vossos comentários, então deixados, pois se perderam nessoutra viragem/voragem. Eram tantos que se tornou impossível copiá-los.
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Sem rosto, sem voz, ao sabor do anonimato, a blogosfera diz quanto as palavras são poderosas e que existe, ainda e sempre, o prazer de ler.

O meu muito obrigada a todos.

[de quando em quando irei espreitar-vos]

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As rosas são para vocês :)

Um abraço.

Das Trevas à Luz

2007-06-20T18:42:00.000+01:00

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Ano 476 dC, tomada de Roma pelos povos bárbaros. Início da Idade Média. Com o Cristianismo, a arte volta-se para a valorização do espírito, A Igreja possui poderes ilimitados e os seus valores vão impregnar toda a vida medieval. Deste modo, por imposição dos dogmas e moral da Igreja, o Cristianismo transformou a produção artística.

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Os motivos eram de natureza religiosa, tendo por características a deformação e o colorido. A deformação traduz-se numa figura de Cristo, por exemplo, sempre maior do que as restantes figuras que o cercam, mostra da Sua importância e dos sentimentos religiosos e interpretação mística que os artistas faziam da realidade.

Embora nos refiramos a este período como Idade das Trevas, e os ambientes fossem, de facto, pouco luminosos (as cabanas eram iluminadas pelo fogo da lareira, os castelos por tochas, os monges trabalhavam à luz da vela e os caminhos escuros) este período foi de grande colorido. As pinturas caracterizavam-se pelo uso de cores primárias, ausentes de meios tons ou jogos de luz e sombra, pois não havia a menor intenção de imitar a natureza. Cores que se caracterizavam por grande luminosidade dada a convivência das cores puras.
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Dado que poucas pessoas sabiam ler, a Igreja recorria à pintura e à escultura, através das quais narrava histórias bíblicas e comunicava valores religiosos. Neste período, não se podem dissociar estas manifestações de arte da arquitectura, pois foi nas grandes decorações murais, através da técnica do fresco, que a pintura românica se desenvolveu.
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Não é ao acaso que ao período que vai da queda de Roma, séc. V, ao início do séc.XI se chama Idade das Trevas. O desaparecimento de Roma deixa a Europa vazia e os tempos seguintes foram de rivalidade e lutas de poder. Óbvio que o marasmo não foi total, que a criatividade se fez sentir, a primeira universidade europeia fundou-se em 1088, em Bolonha, os mosteiros eram centro de aprendizagem e abrigo das artes, mas a era foi de instabilidade e só com o equilíbrio retomado e as novas nações emergentes (Portugal, Espanha, França, Itália, Inglaterra, Alemanha e Países Baixos) surge o reflorescimento económico e cultural.
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Maias, Mural a fresco em Bonampak

Num período em que a Europa se quedava adormecida, entretanto, do outro lado do mundo, existia uma importante civilização Maia, muito sabedora no que toca à pintura, escultura e outras artes. Os Maias surgiram por volta de 1500 aC, atingindo o apogeu entre 300 e 900 dC, ocorrendo um seu renascimento cerca de 1250 dC. A decifração da escrita maia permitiu descobrir que essa civilização fora das poucas a assinar os seus trabalhos.
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Frescos Românicos de São Vicente de Tahull. Barcelona, séc. XII

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O período Românico (800-1000 dC) pretendeu reconstituir o esplendor da Roma antiga, embora com influências cristãs e islâmicas. Ao estilo de Carlos Magno, patrono das artes e letras. Construiram-se algumas das mais belas catedrais e mosteiros medievais .
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Catedral de Pisa

As igrejas românicas chamam a atenção pelo seu tamanho. Grandes e sólidas, fortalezas de Deus, a arte não enquanto resultado do refinado gosto, mas extensão do serviço divino.
Datam deste período as Catedrais de Santiago de Compostela e de Pisa, sendo a conhecida Torre de Pisa, o campanário, o edifício que mais se destaca desse conjunto.
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Letra capitular de iluminura românica

Os monges copistas dos séculos X e XI transcreveram milhares de páginas, exímios na arte da caligrafia. A arte era sumptuosa.
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Catedral de Chartres

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A transição para o período seguinte, o Gótico, foi lenta, e bem mais demorada na pintura que na arquitectura, que continua fantástica (as Catedrais de Notre Dame, Chartres e Colónia são exemplo, e nelas se encontram os melhores trabalhos de vitral). A Igreja impunha-se, mantendo o povo num estado de subjugação.
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Gótico. Retábulo de Sigena, de Jaume Serra

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A prática das pinturas murais românicas desaparece, pois a estrutura dos templos góticos, que rasgava as paredes de pedra com janelas decoradas de vitrais coloridos, não fornecia características para pintura mural. É nos vitrais e nos códices que esta se desenvolve. Será uma posterior pintura sobre tábua, o retábulo, que trará os melhores exemplares.
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Retablo de Sixena. Obra atribuída a Pere Serra. Catalunha

Um retábulo compõe-se de uma tábua central, onde aparece o santo a quem se dedica a obra. As tábuas laterais contam os episódios mais marcantes da sua vida, distribuídos em compartimentos, na parte inferior a “predela”. Muitas vezes, também se encontram representados aqueles que à encomenda procederam e emblemas heráldicos.
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Letra capitular de iluminura gótica

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Este novo estilo veio com o apogeu económico. A sociedade civil estruturava-se em confrarias, a nobreza e a corte tornavam-se clientes das artes.
O resultado final dos primeiros trabalhos góticos não é muito diferente dos românicos, nota-se apenas uma maior leveza ou mobilidade e algumas emoções nos rostos das personagens, ainda longe do desenho e perspectiva renascentistas. As iluminuras mantêm a vivacidade cromática, abundante emprego do ouro e decoração historiada de letras capitulares.
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Iluminura gótica. Detalhe.

O Renascimento virá despertar a Europa de um demorado adormecimento. Reinos de Deus e do Diabo, o Renascimento assiste ao júbilo do Homem, respeito pela dignidade humana. Disseminação de novas ideias, para o que contribui a invenção da Imprensa. Os livros e as ideias abandonam as cortes e o clero, e circulam numa promoção e elogio do saber.
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Em Tentação

2007-06-13T23:46:00.000+01:00

O Homem preocupou-se, desde sempre, em observar , interpretar e reproduzir o mundo à sua volta, por vezes em temas recorrentes, em diferentes modos de ver, consoante as épocas, segundo os sentires e os estares.

Grunewald. A Tentação de Santo António, 1510-15

Bosch. A Tentação de Santo António, c 1500

Joachim Patenier. A Tentação de Santo António, c. 1550

Pieter Bruegel, O Velho. A Tentação de Santo António, 1562

Paul Cézanne. A Tentação de Santo António, c. 1875

Max Ernst. A Tentação de Santo António, 1945

Salvador Dali. A Tentação de Santo António, 1946

Melissa Miller. A Tentação de Santo António, 1991

Melissa Miller, A Tentação de Santo António, 1991

Melissa Miller. A Tentação de Santo António, 1991

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O Olhar Mágico

2007-06-09T22:28:00.000+01:00

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Vladimir Kush. Forgotten Sunglasses

Os olhos, órgãos da percepção visual são universalmente o símbolo da percepção intelectual. O taoismo associa-os ao sol (direito) e à lua (esquerdo), e, respectivamente, ao futuro e ao passado, à actividade e passividade.

René Magritte. Le Faux Miroir

Um observa o tempo, o outro a eternidade. O carácter chinês ming, símbolo da luz, é a síntese de sol e lua, da unidade.
Esta percepção do uno remete-nos para o terceiro olho, o olho frontal de Shiva (deus hindu), a um mesmo tempo renovador e destruidor, já que destrói para fazer renascer. Olho da sabedoria, órgão da visão interior, também, presente na religião budista e no Islão.

Dali, Spellbound (depois do filme de Alfred Hitchcok, em cujas sequências oníricas trabalhou)

Uma constante na espiritualidade muçulmana, os poetas sufistas referem-se-lhe, e a mesma referência, enquanto olho da alma, encontramo-la em Platão e Santo Agostinho. O olho é intuição e clarividência.

Símbolo da Essência e do Conhecimento divino, inscrito num triângulo, é a um tempo símbolo maçónico e cristão. O ritual de abertura dos olhos é uma iniciação ao conhecimento, e o olho de Deus, que tudo vê, omnisciência.

Não esqueçamos a corrente expressão “mau olhado”, usada, com igual significado, no mundo islâmico. Sinal de poder associado a maldade. E, ainda, as poções mágicas da África Central, a que olhos de animais e humanos eram associadas, tal a importância atribuída ao sentido da visão. Por fim, a pintura em trompe-l’oeil, a enganar o olhar.

Os egípcios, no rosto de perfil, representavam o olhar de frente, olhar mágico. Olho-luz, purificador, símbolo sagrado que encontramos em quase todas as suas obras de arte.
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No final de 1889, salteadores de túmulos, trouxeram à luz do dia retratos fantásticos da região de Fayoum, situada a oeste do Nilo. Remontam à época da ocupação romana, datando-se, assim, dos primeiros séculos da nossa era.

O que mais impressiona nestes sarcófagos egípcios é o realismo dos retratos, a expressão profunda, a familiaridade que ultrapassa o tempo que deles nos separa.

Um olhar vindo do mundo da morte para o dos vivos, mensagem da alma imortal.

Desde o clássico, e porventura mais falado olhar da história da pintura, Mona Lisa, a inovação na técnica do olhar, o olhar perseguindo-nos, qualquer que seja o lugar de onde o observemos, muitos foram os pintores que sobre ele se debruçaram, procurando eternizá-lo.
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Leonardo da Vinci. Mona Lisa, 1503

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Por prazer ou encomenda, a soldo da Igreja ou de outra entidade, em privado,

Albrecht Durer. Unknown Lady, 1497

Bartolomeo Veneto. Portrait of a Gentleman, 1512

ao longo dos séculos, Piero de la Francesca, Albrecht Durer, Leonardo da Vinci, Rafael, Bartolomeo Veneto, Parmigianino, Hans Holbein, Agnolo Bronzino, Rubens, Rembrant, Ingres, Van gogh… tantos e tantos se dedicaram a perpetuar o rosto e olhar humanos.

Rubens. Family of Jan Brueghel, o Velho, 1612-13

São personalidades históricas, marcantes de uma época, ricos comerciantes ou seus familiares, mecenas ou patronos das artes, outras anónimas, individualmente ou em cenas de família, meninos e meninas. Sonhos.

Agnolo Bronzino. Bia, the Illegitimate Daughter of Cosimo I de Medici, 1542

Hans Holbein the Younger. Edward VI as a Child, 1538

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Que melhor forma de descobrir os segredos de um pintor senão segundo o olhar com que ele dota as suas figuras? A pintura não se reduz a descrever o objecto que se vê, mas a ideia que ele representa. Um olhar que ela devolverá aos outros. Espelho da alma, o olhar impõe-se, troca-se, pinta-se.
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Rembrant. Autoportrait, 1659

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Vidas e vida. Presas no momento. Olhares pulsando em tela, atravessando-a, para no nosso olhar se pousarem.

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Primórdios da Arte Ocidental

2007-05-26T23:55:00.000+01:00

Os pintores da Idade da Pedra fabricavam, eles mesmos, as suas próprias cores e materiais, usando da terra ao sangue, óxidos minerais, sumos de frutos ou flores, que transformavam em vermelho, castanho, amarelo ou preto.

Bisontes, touros, cavalos, antílopes aparecem correndo, perseguidos por silhuetas de homens. Pensariam eles que essas cenas de captura facilitariam a vida do caçador.

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A Arte Egípcia influenciou os gregos que, por sua vez, influenciaram os romanos. Terá sido, assim, o início da Arte ocidental.
Os egípcios não pretendiam somente produzir obras de arte, a sua intenção maior era decorar o túmulo do seu faraó, dotando-o de todas as personagens que pudessem servi-lo, ainda, na sua outra vida. Criados dele cuidariam e lhe preparariam faustos repastos, músicos e poetas o distrairiam.
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Túmulo de Nebamon, cena de banquete

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As pinturas egípcias representavam sempre o homem mais alto que a mulher e com um tom de pele mais moreno, cabeça e braços, pernas e pés de perfil, contudo, o olho e os ombros eram representados de frente e os pés ambos esquerdos.
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Túmulo de Nefertari (1300-1250 aC)

Só mil anos depois, os gregos, pela primeira vez, representam o pé de frente.
. Ânfora grega, 500 a.C.

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A partir do séc. XV, em Itália, abandonam-se as formas de arte da Idade Média, num retorno às da Antiguidade Greco-latina, o renascer das formas clássicas acompanhadas da vontade de renascer a partir da descoberta e sede de descobrir.

Recriar o Passado

2007-05-22T02:13:00.000+01:00

Desde sempre a pintura ocidental retomou temas de pintores anteriores, a recriação dando nova vida a antigas criações. Vejamos esta pintura de Botero onde ele recupera o quadro de Van Eyck.

1978, Arnolfini

Várias foram as influências que Botero assimilou. Se acima o motivo foi dado por Van Eyck, os renascentistas e barrocos italianos sempre o seduziram

Mategna. Camera degli Spozi, Palazzo Ducale, Mantua, 1471

1961, Homenagem a Mantegna

A Mona Lisa também se revelou irresistível

Leonardo da Vinci. Mona Lisa, 1503-06
. 1977, Mona Lisa
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Rubens tê-lo-á impressionado com as suas cenas mitológicas, imaculadas Virgens e composições históricas, mas, essencialmente, levou-lhe as suas proporções, havendo pintado várias versões de Mrs. Rubens.

Peter Paul Rubens. Susanna Fourment, 1622-25
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1968, Mrs Rubens
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Ingres foi outro dos pintores a nele influirem
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Ingres, Mademoiselle Rivière, 1805
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1979, Mademoiselle Rivière
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E reminiscências de Monet (Le Déjeuner sur l’herbe) ocorrem frequentemente nos seus picnics
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Manet. Le Déjeuner sur l'herbe, 1863
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2001, Picnic

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Velásquez foi, porém, o seu maior motivo de inspiração. Quando Botero se encontrava em Madrid, estudando na Real Academia de San Fernando, 1952, o Museu do Prado era o seu lugar de deleite, aí respirava entre Velásquez e Goya, tomando, pela primeira vez, contacto com Velásquez e do seu quadro As Meninas, tê-lo-á atraído a Infanta.
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Velásquez. Auto-retrato, 1656 (de As Meninas)
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1985, Auto-retrato de Velasquez

Questionado sobre esta recriação, por alguns acusado de ser uma espécie de plagiador, Botero responde que não é plágio mas paródia.

Da Têmpera ao Óleo

2007-05-17T23:26:00.000+01:00

Na pintura acima, “Os Esposos Arnolfini”, de Van Eyck, 1434, encomenda feita por um rico comerciante da Flandres, de modo a assim registar o seu casamento, vemos em primeiro plano os esposos. Observando com atenção o espelho ao fundo, nele vemos uma parte da pintura, onde duas figuras junto à porta testemunham o acontecimento (um homem jovem vestido de azul, provavelmente o pintor, e outro de vermelho.

A cena é detalhada e para tal conseguir Van Eyck não podia recorrer à têmpera devido à sua secagem rápida. Assim, este pintor flamengo é um dos primeiros a utilizar a pintura a óleo, que lhe permitia alongar-se no tempo, passando dias trabalhando no efeito de um pedaço de renda.

A têmpera (cor em pó diluída com aglutinante: goma, cola ou ovo) era o processo utilizado para a pintura “a fresco”. Com a ajuda de uma agulha picotava-se um cartão, polvilhando os orifícios com pó de carvão coberto por areia fina, assim se “decalcando” o desenho contra a superfície, parede ou tecto, coberta por gesso fresco.
Depois, havia que ser rápido a pintar, de um só traço, para que nem a mistura de base nem a têmpera secassem, ou todo o trabalho teria de ser refeito. Giotto era um entendido no “fresco”. De mão segura não usava o desenho, pintando directamente, e sem retoques.

Contudo, o desenho prévio não é depreciativo, Van Eyck, um dos primeiros pintores realmente célebres, trabalhando por encomenda da Igreja e de ricos comerciantes, recorria ao croquis antes da pintura, anotando com números os espaços correspondentes às cores que ía utilizar.

A Tela, invenção renascentista

2007-05-12T01:48:00.000+01:00

. Bellini. The Miracle of the True Cross near the San Lorenzo, 1500

Giorgione. Concerto Campestre, 1510
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Ticiano. Dioniso e Ariadne
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Os pintores venezianos gostavam de pintar a cor e luz que reflectia a água à volta da cidade, mas a humidade resultante desse envolvimento natural não permitia a pintura de frescos, técnica usada por outros pintores em outros lugares, tais que os florentinos.
Como as florestas eram raras na região, o recurso a tábuas de madeira era também pouco exequível.
Foi assim que os pintores venezianos renascentistas inventaram a tela esticada sobre enquadramento de madeira, tornando-se o suporte tradicional preferido a partir de então, porque a sua plástica cede ligeiramente à pressão da pincelada, pela capacidade de esticamento e pela sua durabilidade.
As melhores telas são as de tecido de linho, seja estopa ou linho artesanal. Pela humidade envolvente, o que interfere na dilatação, este é preferido ao algodão, mas há-as, ainda, em pano cru (tecido de mistura, linho+algodão), serapilheira ou cânhamo.
Giovanni Bellini (c1429-1507), Giorgione (1475-1510) e Ticiano (1490-1567), imagens acima, são os maiores pintores venezianos da Renascença.

"Thinking blogger AWARD"

2007-05-11T00:16:00.000+01:00

O meu obrigada pela nomeação feita, enquanto “thinking blog”, por José Quintela Soares (www.artesetima.blogspot.com) a este meu espaço, e pelo acreditar neste cantinho ainda em crescimento. Dou os parabéns pela nomeação feita ao seu ArteSétima, nomeação que contempla os seus outros espaços, que não incluo na escolha abaixo porquanto a retribuição pareceria recompensa ou paga.

Espaços, contudo, igualmente merecedores,

www.operapertutti.blogspot.com

www.lisboantiga.blogspot.com

outros seus lugares de paixão.

O Primeiro, onde, nas suas palavras, sempre vou beber; o segundo, onde cada texto e imagem são encontros nas esquinas da cidade que amo.
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Outros Blogs que me fazem pensar…
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A minha primeira escolha vai para um blog que não mencionarei porque o autor o prefere em recato. Um blog encontro de azuis, azul de serenidade e frescura. Um espaço de saudade e presente, de respeito pelo passado e passagem de testemunho. Espaço de rigor.
Um lugar de céu por cima e mar à volta, onde desfilam as palavras, por vezes em severidade, noutras em poesia, onde as imagens são, também elas, poema, e a alma pulsa e a emoção lateja.

http://mendesferreira.blogspot.com/
Piano. Um outro lugar de encantamento, onde as palavras se elevam e por vezes esmagam, rasgam página, écran ou tela. (Vejam-se os outros espaços da autora)

http://elisabetecunha.wordpress.com/
Encanto. Este é um espaço onde as minhas “mágoas” e desassossegos quotidianos minguam, se trivializam, porque nos muitos textos me revejo, porque descubro que não sou singular, porque as palavras são leves e aliviam, trazem o saber de quem encontrou a serenidade.

http://www.bandida-bandida.blogspot.com/
Um lugar “bandido”, num mesmo tempo duro e terno, a surpreender e a sobressaltar.

http://www.kaligraphias.blogspot.com/
Caligrafias. Um espaço que escolho porque gostaria de ver mais activo, um espaço de em outras vidas e vivências pensar. Que esta minha nomeação sirva de coacção para que o autor mais se empenhe :)
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Psicologia das Cores

2007-05-10T00:24:00.000+01:00

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Paul Gauguin (1848-1903). Mahana no atua (Day of God), c.1894
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O objectivo primordial da psicologia das cores, mais do que definir preferências, é determinar as relações entre estas enquanto manifestações e os acontecimentos psíquicos a elas associados. Observemo-las segundo os testes de Luscher.
O amarelo caracteriza-se pela claridade, reflecte e irradia luz, incita ao futuro, impulsiona. Na pintura alivia o fastidioso.
O azul apela à tranquilidade, a um estado de paz e satisfação. O escuro conduz às vivências interiores, remete para dentro de nós. O claro torna-se mais elástico, mais compensatório.

Vincent van Gogh (1853-1890). Cafe Terrace at Night, 1888

O branco é uma cor redutora, diz da falta de controlo e de domínio.
O cinzento é a cor da neutralidade. Não é nem colorido, nem claro nem escuro, nem tenso nem aliviador. Livre de qualquer influência psíquica, fronteira do nada, é a cor da abstracção, do resguardo. Na sua tonalidade escura tem uma função neutralizadora, é a cor da repressão, de retorno ao interior.
O verde representa a estabilidade e reunião de forças, compensação entre mundo exterior e interior, perseverança. É compensatório.
O castanho é um vermelho amarelado escurecido, onde a força vital do vermelho se atenua e a vitalidade se torna passiva, sendo ao mesmo tempo energia positiva.

Maurice Vlaminck (1876-1958). Le Restaurant de la Machine à Bougival, 1906

O preto tem tendência a bloquear sentimentos afectivos, mais potente que o cinzento não é desagradável mas estabilizador. É o limite absoluto, barreira, supressão.
O vermelho é força vital, impulso para conquistar o êxito. Da força instintiva sexual à transformação revolucionária.
O violeta é, a um mesmo tempo, inibidor e estimulante, tranquilidade e instabilidade. Sinal de evolução e mudança. Mistura de vermelho e azul, é impulsividade, hipersensibilidade e encantamento.
O púrpura é autoridade e dignidade. Muito usado nos mosaicos bizantinos é uma cor a que deixou de se prestar muita atenção.

Henri Matisse (1869-1954). The Dinner Table (Harmony in Red), 1897

Cada um de nós, perante um conjunto, predominância ou ausência de uma cor, experimenta diferentes sensações, de bem ou mau estar, de prazer, aversão ou perturbação.

Obras:

Pós-Impressionistas Gauguin e Van Gogh

Fauvistas Vlaminck e Matisse
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(IN)Descrição das Cores

2007-05-06T02:56:00.000+01:00

Como se descreve uma cor? Alguma vez tentámos descrever uma cor? Comparamo-la, atribuímos-lhe um significado, uma sensação, mas conseguimos descrevê-la?

Se muitas cores existem, na pintura mais ainda, pelas misturas conseguidas através de mesclas subtis. Assim, existem o azul Van Eyck, o verde Veronese, conseguidas pelos pintores em causa.
Primeira abordagem, como se classificam as cores?
Dividimo-las em duas categorías, primárias e secundárias, quente e frias.
São três as cores primárias, vermelho, azul e amarelo. Cores puras que se conseguem sem qualquer mistura. Mas para obter o verde, o laranja ou o violeta (cores secundárias) é necessário misturar as cores primárias.
As cores frias são o azul e o verde, as quentes, o vermelho e o amarelo.

. Henri Matisse (1869-1954), Le Bonheur de Vivre, 1905-06

Experimentemos…
Misturem-se duas cores primárias, acrescente-se o preto, a mistura perde intensidade. Tente-se, ao invés, misturar o branco a essas mesmas cores primárias, a cor aviva-se. Assim se conseguem criar cores brilhantes e outras mais ternas.
Outro exemplo, experimente-se colocar um verde junto a um vermelho, este último torna-se mais vivo. Por sua vez, o amarelo junto ao vermelho faz este perder intensidade.

. Andre Derain (1880-1954), L'Estaque, 1906

Um último exemplo, observe-se durante uns minutos uma folha ou painel vermelho, fechem-se em seguida os olhos. A cor que vemos é o verde, sua cor complementar. Este é o processo do negativo da fotografia.
Harmonizar as cores entre elas obedece a princípios, mas quando se trata de pintura é muito mais importante a sensibilidade.
No que toca à estabilidade de conservação das suas qualidades, as cores são desiguais. O meio, a luz do Sol e a humidade influênciam-nas, e a instabilidade pode, ainda, dever-se à decomposição ou alteração química dos seus componentes.
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As pinturas acima são do período fauvista, os fauvistas foram os grandes mestres da cor.

Perspectiva, a ilusão da percepção

2007-05-05T04:16:00.000+01:00

A Perspectiva é a grande inovação renascentista, que viria a determinar toda a pintura dos séculos vindouros. Esta é a ilusão que a nossa percepção visual fabrica de forma a poder entender profundidade, volume e distância.

Para representar a perspectiva, partimos de um ponto (ponto de fuga), e uma linha imaginária (linha do horizonte) onde este se localiza, sendo que todas as linhas de projecção da pintura convergem para esse ponto.

Através de regras geométricas de projecção, podemos representar um objecto tridimensional, e assim os elementos mais distantes do olho são os que se encontram mais próximos do ângulo de visão, sendo os objectos mais pequenos interpretados como estando mais distanciados.

Observemos esta pintura bizantina, que se caracteriza pela perspectiva ausente. As figuras representadas têm a mesma dimensão, sendo colocadas "por andares", numa perspectiva hierárquica, pretendendo estes sugerir a distância.

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Detenhamo-nos, agora, na pintura abaixo de Cimabue (1240-1302).
A composição organiza-se à volta do trono, Nossa Senhora na parte superior, abaixo os Profetas, os anjos nas laterais. Observe-se o rigor simétrico.
Embora ainda na tradição da pintura bizantina, note-se que as figuras aparecem em patamares, contudo já menos estáticas. Cimabue criou uma linguagem plástica que teve um papel decisivo na revolução levada a cabo por Giotto.

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Compare-se com a imagem seguinte, de Giotto (1266?-1337), e veja-se quanto Giotto quebrou definitivamente com a tradição anterior. Foi ele o introdutor da trimensionalidade, com ela trazendo a profundidade. A diferença nota-se ainda nos corpos, modelados de forma mais orgânica e plástica, as personagens, num mesmo tempo, matéria e espírito. Atente-se, ainda, na construcção do trono.
Observe-se, por fim, esta última pintura de Giotto. O estilo é mais forte e claro, os espaços mais largos e os movimentos mais soltos. A caracterização das personagens é individual, estas vêem, escutam, admiram-se, surgem retratadas segundo as suas reacções mentais.
Uma outra curiosidade, o Céu. Giotto pintou o Céu azul, ao invés do tradicional dourado, perdendo este o caracter sagrado e tornando-se mais do domínio da física. Azul do Céu que Leonardo da Vinci tentou explicar, observando que o fumo da madeira a queimar, atravessado pela luz solar, e visto contra fundo escuro, era de coloração azulada.
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Nota de Abertura

2007-05-04T00:26:00.000+01:00

"Pintura é cosa mentale"
... ance sai cosi manuale
(ma prima è cosa mentale!)

Leonardo da Vinci

Don Tywoniw, Clouded Mind, 1990

A arte diz do comportamento humano e os objectos de arte são o rasto e rosto do homem. Desde a Pré-história que existem representações com uma simbologia específica, sendo que há uma dinâmica criativa no legado deixado pelo Homem ao longo dos tempos. A Arte representa o comportamento humano, existe enquanto movimento.
A sensação primeira, ao observarmos uma obra de arte, é considerá-la bonita ou feia.
Questão primordial: porque agrada uma obra de arte a um observador e desagrada, ou é indiferente, a outro? Porque experimentamos sensações diferentes? A resposta está na nossa personalidade.
Existe uma psicologia da Arte.
Para cada personalidade, as suas preferências. Uns avaliam a obra de arte a nível sentimental, outros fazem uma avaliação intelectual.
Jung, discípulo de Freud, divide as personalidades em extrovertidas e introvertidas. O primeiro, dirigindo as suas energias “para fora”, fixa-se em referências externas, o segundo, virado para a sua vida interior, dirige as suas energias “para dentro”.
Assim, uns preferem manifestações dramáticas e cenas românticas, outros as obras impressionistas que lhes proporcionam um recolhimento, outros ainda querem a obra de arte funcional, ao serviço da utilidade, gostando de quadros realistas, e outros, por fim, apreciam a composição ou configuração, dando primazia ao traço mais do que às cores e observam um quadro distanciando-se intelectualmente.
Que é a arte? O olhar em mudança, em experimentação. Criatividade do artista que produz a sua obra, obra que observada sob um olhar critico continua a gerar criatividade.
A minha proposta é que, neste espaço, se experimente a transformação do olhar.